Nghệ thuật Phục hưng - Đặc điểm, Định nghĩa và Phong cách

Nghệ thuật Phục hưng - Đặc điểm, Định nghĩa và Phong cách

Được gọi là thời kỳ Phục hưng, thời kỳ ngay sau thời Trung cổ ở châu Âu chứng kiến ​​sự hồi sinh lớn của mối quan tâm đến việc học cổ điển và các giá trị của Hy Lạp và La Mã cổ đại. Trong bối cảnh ổn định chính trị và sự thịnh vượng ngày càng tăng, sự phát triển của công nghệ mới - bao gồm báo in, một hệ thống thiên văn học mới và việc khám phá và khám phá các lục địa mới - đi kèm với sự nở rộ của triết học, văn học và đặc biệt là nghệ thuật. Phong cách hội họa, điêu khắc và nghệ thuật trang trí được xác định với thời kỳ Phục hưng nổi lên ở Ý vào cuối thế kỷ 14; nó đạt đến đỉnh cao vào cuối thế kỷ 15 và đầu thế kỷ 16, trong công việc của các bậc thầy người Ý như Leonardo da Vinci, Michelangelo và Raphael. Ngoài việc thể hiện truyền thống Hy Lạp-La Mã cổ điển, nghệ thuật thời Phục hưng còn tìm cách nắm bắt trải nghiệm của cá nhân và vẻ đẹp cũng như bí ẩn của thế giới tự nhiên.

Nguồn gốc của nghệ thuật Phục hưng

Nguồn gốc của nghệ thuật Phục hưng có thể được bắt nguồn từ Ý vào cuối thế kỷ 13 và đầu thế kỷ 14. Trong thời kỳ được gọi là “tiền Phục hưng” (1280-1400) này, các học giả và nghệ sĩ người Ý đã tự coi mình là người thức tỉnh lại những lý tưởng và thành tựu của văn hóa La Mã cổ điển. Các nhà văn như Petrarch (1304-1374) và Giovanni Boccaccio (1313-1375) đã nhìn lại Hy Lạp và La Mã cổ đại và tìm cách làm sống lại các ngôn ngữ, giá trị và truyền thống tri thức của các nền văn hóa đó sau một thời gian dài đình trệ kéo theo sự sụp đổ của Đế chế La Mã vào thế kỷ thứ sáu.

Họa sĩ Florentine Giotto (1267-1337), nghệ sĩ nổi tiếng nhất của thời kỳ tiền Phục hưng, đã đạt được những tiến bộ to lớn trong kỹ thuật thể hiện cơ thể người một cách chân thực. Các bức bích họa của ông được cho là đã trang trí các nhà thờ lớn ở Assisi, Rome, Padua, Florence và Naples, mặc dù có khó khăn khi xác định những tác phẩm như vậy một cách chắc chắn.

Nghệ thuật Phục hưng sớm (1401-1490)

Vào cuối thế kỷ 14, thời kỳ tiền Phục hưng bị kìm hãm bởi bệnh dịch và chiến tranh, và những ảnh hưởng của nó đã không xuất hiện trở lại cho đến những năm đầu tiên của thế kỷ tiếp theo. Năm 1401, nhà điêu khắc Lorenzo Ghiberti (khoảng 1378-1455) đã giành chiến thắng trong một cuộc thi lớn để thiết kế một bộ cửa bằng đồng mới cho Baptistery của nhà thờ Florence, đánh bại những người đương thời như kiến ​​trúc sư Filippo Brunelleschi (1377-1446) và Donatello trẻ (khoảng 1386-1466), người sau này trở thành bậc thầy của nghệ thuật điêu khắc thời kỳ đầu Phục hưng.

Một nghệ sĩ lớn khác làm việc trong thời kỳ này là họa sĩ Masaccio (1401-1428), nổi tiếng với những bức bích họa về Chúa Ba Ngôi trong Nhà thờ Santa Maria Novella (khoảng năm 1426) và trong Nhà nguyện Brancacci của Nhà thờ Santa Maria del Carmine. (c. 1427), cả hai đều ở Florence. Masaccio vẽ chưa đầy sáu năm nhưng đã có ảnh hưởng lớn vào đầu thời kỳ Phục hưng vì tính chất trí tuệ trong tác phẩm của ông, cũng như mức độ chủ nghĩa tự nhiên của nó.

Florence trong thời kỳ Phục hưng

Mặc dù Giáo hội Công giáo vẫn là người bảo trợ chính cho nghệ thuật trong thời kỳ Phục hưng - từ giáo hoàng và các giám mục khác đến các tu viện, tu viện và các tổ chức tôn giáo khác - các tác phẩm nghệ thuật ngày càng được chính quyền dân sự, tòa án và các cá nhân giàu có ủy quyền. Phần lớn tác phẩm nghệ thuật được sản xuất trong thời kỳ đầu của thời kỳ Phục hưng là do các gia đình thương gia giàu có của Florence ủy thác, đáng chú ý nhất là gia đình Medici.

Từ năm 1434 cho đến năm 1492, khi Lorenzo de ’Medici – được biết đến với biệt danh“ Người vĩ đại ”vì khả năng lãnh đạo mạnh mẽ cũng như sự ủng hộ của ông đối với nghệ thuật - qua đời, gia đình quyền lực đã chủ trì một thời kỳ hoàng kim cho thành phố Florence. Bị liên minh cộng hòa đẩy khỏi quyền lực vào năm 1494, gia đình Medici đã sống lưu vong nhiều năm nhưng quay trở lại vào năm 1512 để chủ trì một sự kiện nở rộ khác của nghệ thuật Florentine, bao gồm một loạt các tác phẩm điêu khắc hiện trang trí Piazza della Signoria của thành phố.

Nghệ thuật Phục hưng Cao (1490-1527)

Vào cuối thế kỷ 15, Rome đã thay thế Florence trở thành trung tâm chính của nghệ thuật thời Phục hưng, đạt đến đỉnh cao dưới thời Giáo hoàng Leo X (con trai của Lorenzo de ’Medici) đầy quyền lực và đầy tham vọng. Ba bậc thầy vĩ đại - Leonardo da Vinci, Michelangelo và Raphael - đã thống trị thời kỳ được gọi là Thời kỳ Phục hưng Cao, kéo dài từ đầu những năm 1490 cho đến khi bị quân đội của Hoàng đế La Mã Charles V của Tây Ban Nha chiếm đóng thành Rome vào năm 1527. Leonardo ( 1452-1519) là “người đàn ông thời Phục hưng” cuối cùng về bề dày trí tuệ, sự quan tâm và tài năng cũng như sự thể hiện các giá trị nhân văn và cổ điển của ông. Các tác phẩm nổi tiếng nhất của Leonardo, bao gồm "Mona Lisa" (1503-05), "Trinh nữ của những tảng đá" (1485) và bức bích họa "Bữa tối cuối cùng" (1495-98), thể hiện khả năng vô song của ông trong việc khắc họa ánh sáng và bóng, cũng như mối quan hệ vật lý giữa các hình - con người, động vật và đồ vật - và cảnh quan xung quanh chúng.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) đã vẽ trên cơ thể người để lấy cảm hứng và tạo ra các tác phẩm trên quy mô rộng lớn. Ông là nhà điêu khắc nổi tiếng của thời kỳ Phục hưng Cao, đã tạo ra các tác phẩm như tượng Pietà ở Nhà thờ Thánh Peter (1499) và tượng David ở quê hương Florence (1501-04). Ông đã chạm khắc cái thứ hai bằng tay từ một khối đá cẩm thạch khổng lồ; bức tượng nổi tiếng cao năm mét bao gồm cả phần đế của nó. Mặc dù Michelangelo coi mình là một nhà điêu khắc trước hết và trên hết, ông cũng đã đạt được sự vĩ đại với tư cách là một họa sĩ, đặc biệt là với bức bích họa khổng lồ phủ kín trần nhà nguyện Sistine, được hoàn thành trong hơn bốn năm (1508-12) và mô tả nhiều cảnh khác nhau từ Genesis.

Raphael Sanzio, người trẻ nhất trong ba bậc thầy vĩ đại thời kỳ Phục hưng, đã học hỏi từ cả da Vinci và Michelangelo. Các bức tranh của ông - đáng chú ý nhất là “Trường học Athens” (1508-11), được vẽ ở Vatican cùng thời điểm Michelangelo đang làm việc trên Nhà nguyện Sistine - thể hiện một cách khéo léo những lý tưởng cổ điển về vẻ đẹp, sự thanh bình và hài hòa. Trong số những nghệ sĩ Ý vĩ đại khác làm việc trong thời kỳ này là Sandro Botticelli, Bramante, Giorgione, Titian và Correggio.

Nghệ thuật Phục hưng trong thực tế

Nhiều tác phẩm nghệ thuật thời kỳ Phục hưng mô tả các hình ảnh tôn giáo, bao gồm các chủ đề như Đức mẹ Đồng trinh, hoặc Madonna, và được khán giả đương đại của thời kỳ đó bắt gặp trong bối cảnh các nghi lễ tôn giáo. Ngày nay, chúng được xem như những tác phẩm nghệ thuật tuyệt vời, nhưng vào thời điểm đó, chúng được xem và sử dụng chủ yếu như những đồ vật sùng kính. Nhiều tác phẩm thời Phục hưng đã được vẽ như những bức tượng thờ để đưa vào các nghi lễ liên quan đến Thánh lễ Công giáo và được tặng bởi những người bảo trợ, những người đã tài trợ cho chính Thánh lễ.

Các nghệ sĩ thời Phục hưng đến từ mọi tầng lớp trong xã hội; họ thường học nghề trước khi được nhận vào một bang hội chuyên nghiệp và làm việc dưới sự dạy dỗ của một sư phụ lớn tuổi. Không bị bỏ đói bởi những người phóng túng, những nghệ sĩ này làm việc theo hoa hồng và được thuê bởi những người bảo trợ nghệ thuật vì họ ổn định và đáng tin cậy. Tầng lớp trung lưu đang lên của Ý đã tìm cách bắt chước tầng lớp quý tộc và nâng cao vị thế của chính họ bằng cách mua tác phẩm nghệ thuật cho ngôi nhà của họ. Ngoài những hình ảnh thiêng liêng, nhiều tác phẩm trong số này còn khắc họa các chủ đề trong nước như hôn nhân, sinh đẻ và cuộc sống hàng ngày của gia đình.

Mở rộng và suy giảm

Trong suốt thế kỷ 15 và 16, tinh thần của thời kỳ Phục hưng đã lan rộng khắp nước Ý và sang Pháp, Bắc Âu và Tây Ban Nha. Ở Venice, các nghệ sĩ như Giorgione (1477 / 78-1510) và Titian (1488 / 90-1576) đã phát triển thêm phương pháp vẽ sơn dầu trực tiếp trên vải; kỹ thuật sơn dầu này cho phép nghệ sĩ vẽ lại một hình ảnh - như tranh bích họa (trên thạch cao) thì không - và nó sẽ thống trị nghệ thuật phương Tây cho đến ngày nay. Tuy nhiên, tranh sơn dầu trong thời kỳ Phục hưng có thể được bắt nguồn từ xa hơn nữa, từ họa sĩ người Flemish Jan van Eyck (mất năm 1441), người đã vẽ một bức tranh thờ tuyệt vời trong nhà thờ ở Ghent (khoảng năm 1432). Van Eyck là một trong những nghệ sĩ quan trọng nhất của thời kỳ Phục hưng phương Bắc; các bậc thầy sau này bao gồm các họa sĩ người Đức Albrecht Durer (1471-1528) và Hans Holbein the Younger (1497 / 98-1543).

Đến những năm 1500 sau đó, phong cách Mannerist, với sự nhấn mạnh vào tính nhân tạo, đã phát triển đối lập với chủ nghĩa tự nhiên lý tưởng của nghệ thuật thời kỳ Phục hưng cao, và Mannerism lan rộng từ Florence và Rome để trở thành phong cách thống trị ở châu Âu. Tuy nhiên, nghệ thuật thời kỳ Phục hưng vẫn tiếp tục được tôn vinh: Nghệ sĩ Florentine thế kỷ 16 và nhà sử học nghệ thuật Giorgio Vasari, tác giả của tác phẩm nổi tiếng “Cuộc đời của những họa sĩ, nhà điêu khắc và kiến ​​trúc nổi tiếng nhất” (1550), sẽ viết về thời kỳ Phục hưng cao như đỉnh cao của nghệ thuật Ý, một quá trình bắt đầu với Giotto vào cuối thế kỷ 13.


Lịch sử hấp dẫn và ảnh hưởng lâu dài của nghệ thuật Phục hưng Ý

Trong hội họa, cách tiếp cận mới này thể hiện như những mô tả chân thực về con người, thể hiện rõ nét trong biểu tượng của Leonardo Nàng mô na Li Sa. Sử dụng sfumatoKỹ thuật & mdasha, trong đó nghệ sĩ bỏ qua những đường viền táo bạo để có các cạnh & mdashas mềm mại, mờ ảo cũng như bóng đổ và phối cảnh trên không thực tế, Leonardo đã có thể tạo ra một bức chân dung nhân văn và có vẻ thế tục về một nhân vật phụ nữ đương thời.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa (khoảng 1503-1506) (Ảnh: Cơ sở dữ liệu Joconde qua Wikimedia Commons)

Hơn nữa, không giống như các bức tranh & mdashtrung Trung cổ thường truyền tải các nhân vật & # 8220floating & # 8221 chống lại phông nền thanh tao & mdash, các cảnh Phục hưng thường có hình nền trần thế. Trong Raphael's Madonna of the Goldfinch, ví dụ, Đức mẹ đồng trinh, Chúa Giê-su và John the Baptist được đặt trong một khung cảnh bình thường, hàng ngày trong tự nhiên. Điều này nhân bản hóa gia đình thánh, lên đến đỉnh điểm là một mô tả tương đối và thực tế.

Raphael, Madonna of the Goldfinch (khoảng 1505-1506) (Ảnh: Google Arts & Culture qua Wikimedia Commons)

Frescoes

Ngoài các tác phẩm truyền thống trên vải, các nghệ sĩ thời Phục hưng đã phổ biến một loại tranh khác: bích họa.

Được tạo ra bằng cách phủ sơn lên thạch cao ướt, các bức bích họa được đánh giá cao vì tính thẩm mỹ mờ, màu sắc phong phú và tính chất lâu dài. Chúng thường tô điểm cho các bề mặt lớn, như của Raphael Trường học Athens trên các bức tường của các căn hộ của Giáo hoàng ở Vatican, và trần của Nhà nguyện Sistine của Michelangelo.

Raphael, Trường học Athens (1511) (Ảnh: Vatican Museums qua Wikimedia Commons)

Michelangelo, Trần nhà nguyện Sistine (1508-1512) (Ảnh: Jean-Christophe Benoist qua Wikimedia Commons)

Điêu khắc

Giống như những nhân vật trong các bức tranh thời Phục hưng, các tác phẩm điêu khắc được tạo ra trong thời kỳ này thể hiện mối quan tâm đến chủ nghĩa hiện thực. Điều này đặc biệt rõ ràng trong các tác phẩm điêu khắc tượng hình của Michelangelo, giống như biểu tượng của ông David bức tượng. Tuyển dụng contrapposto, hoặc & ldquocounterpose, & rdquo David thể hiện tư thế cân bằng thực tế. Ngoài ra, hình vẽ thể hiện các đặc điểm sống động như thật và giải phẫu chi tiết.

Mối quan tâm đến chủ nghĩa hiện thực và sự cân bằng cũng thể hiện rõ ràng trong tác phẩm của Michelangelo Piet & agrave, một tác phẩm điêu khắc ấn tượng của Đức Trinh Nữ Maria với đứa con trai bị đóng đinh của mình.

Michelangelo, Pieta (khoảng 1498-1499) (Ảnh: Stanislav Traykov qua Wikimedia Commons)

Ngành kiến ​​trúc

Về mặt mỹ thuật, phong cách Phục hưng cũng thể hiện rõ nét trong kiến ​​trúc của thời kỳ này. Được dẫn dắt bởi Brunelleschi, nhà thiết kế và kiến ​​trúc đằng sau danh tiếng của Florence duomo, hay mái vòm, kiến ​​trúc thời Phục hưng của Ý thường truyền tải mối quan tâm đến sự đối xứng và cân bằng.

Filippo Brunelleschi, Florence Duomo (1436) (Ảnh: Petar Milosevic qua Wikimedia Commons)

Ngoài ra, các tòa nhà của thời đại này thường có các cột, mái vòm và khuôn đúc, thể hiện rõ trong mái nhà & ccedilade được trang trí công phu của Vương cung thánh đường Thánh Peter ở Thành phố Vatican.

Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno và Gian Lorenzo Bernini, Vương cung thánh đường Thánh Peter (1626) (Ảnh: Hadrien Volle qua Wikimedia Commons)


Thời kỳ Phục hưng cao của Ý (1490-1530)

& # 149 Bức tranh thời kỳ Phục hưng cao
Đặc điểm và các họa sĩ nổi tiếng.
& # 149 Nghệ thuật Phục hưng ở Florence
Masaccio, Donatello, Brunelleschi, Leonardo, Michelangelo và những người khác.
& # 149 Nghệ thuật Phục hưng ở Rome
Raphael, Michelangelo và những người khác.
& # 149 Nghệ thuật Phục hưng ở Venice
Mantegna, Giorgione, Titian, Veronese, Bellini, Tintoretto và những người khác.
& # 149 Bản vẽ Phục hưng đẹp nhất
Các bản phác thảo bằng phấn, bút kim loại, than, bút và mực.
& # 149 Bức tranh vĩ đại nhất thời Phục hưng
Các tác phẩm quan trọng nhất của bức bích họa, tempera và các loại dầu.
& # 149 Phục hưng phương Bắc (1430-1580)
Jan Van Eyck, Roger van der Weyden, Memling, Bosch, Albrecht Durer.

LƯU Ý: Để biết ảnh hưởng liên tục của chủ nghĩa cổ điển thời Phục hưng cao đối với nghệ thuật thế kỷ 20, hãy xem: Sự phục hưng cổ điển trong nghệ thuật hiện đại (c.1900-30).

Lưu ý: thuật ngữ & quot Phục hưng & quot, được sử dụng để mô tả các hình thức kiến ​​trúc, hội họa và điêu khắc mới xuất hiện ở Ý, trong giai đoạn 1400-1530, lần đầu tiên được đặt ra bởi nhà sử học người Pháp Jules Michelet (1798-1874.)

SỰ TIẾN HÓA CỦA NGHỆ THUẬT VISUAL
Để biết niên đại và ngày tháng
các sự kiện quan trọng trong quá trình phát triển
nghệ thuật thị giác trên khắp thế giới
xem: Lịch sử của Dòng thời gian Nghệ thuật.

NGÀNH KIẾN TRÚC
Để biết thông tin về tòa nhà
thiết kế trong thời kỳ Phục hưng,
xem: Kiến trúc Phục hưng.

RENAISSANCE FIGURATIVE ART
Để có một cuộc khảo sát ngắn về truyền thống
vẽ từ khỏa thân, xem:
Ảnh khỏa thân nữ trong lịch sử nghệ thuật (Top 20)
Ảnh khỏa thân nam trong lịch sử nghệ thuật (Top 10).

SƠN-HEO, MÀU SẮC, HUES
Để biết chi tiết về các sắc tố màu
được sử dụng bởi các họa sĩ thời Phục hưng Cao
xem: Bảng màu Renaissance.

SƠN CHÂU ÂU TUYỆT VỜI
Đối với tiểu sử và tranh vẽ
của những nghệ sĩ vĩ đại nhất ở châu Âu
xem: Old Masters: Top 100.

Thời kỳ Phục hưng cao là gì? - Đặc trưng

Thời kỳ được gọi là thời kỳ Phục hưng cao kéo dài khoảng bốn thập kỷ từ năm 1490 đến khi thành Rome năm 1527. Nó thể hiện sự phát triển vượt bậc của nghệ thuật thời kỳ Phục hưng - thời kỳ mà những lý tưởng của chủ nghĩa nhân văn cổ điển được thực hiện đầy đủ trong cả hội họa và điêu khắc, và khi các kỹ thuật họa sĩ về phối cảnh tuyến tính, đổ bóng và các phương pháp khác của chủ nghĩa hiện thực đã được thành thạo. Trong khi Thời kỳ Phục hưng sớm trước đó tập trung vào Florence và phần lớn do gia đình Medici chi trả, thì Thời kỳ Phục hưng Cao cấp lại tập trung vào Rome và được các Giáo hoàng chi trả. Thật vậy, nó gần như phá sản thành phố.

Các nghệ sĩ quan trọng của thời kỳ Phục hưng Cao ở Rome bao gồm Leonardo da Vinci (1452-1519) bậc thầy về hội họa sơn dầu và sfumato Michelangelo (1475-1564), nhà điêu khắc và họa sĩ bích họa vĩ đại nhất trong ngày Raphael (1483-1520), họa sĩ giỏi nhất của thời kỳ Phục hưng Cao cấp Correggio (1489-1534), họa sĩ Parma, nổi tiếng với ảo ảnh Assumption of the Virgin (Nhà thờ Parma) (1526-30) và Donato Bramante (1444-1514), kiến ​​trúc sư hàng đầu của Thời kỳ Phục hưng Cao. Các họa sĩ cấp tỉnh bao gồm Luca Signorelli (1450-1523), người có các bức tranh tường Nhà nguyện Sistine và các bức bích họa Nhà thờ Orvieto được cho là có ảnh hưởng quan trọng đến Michelangelo.

Tác phẩm nghệ thuật thời kỳ Phục hưng cao

Những kiệt tác của hội họa thời kỳ Phục hưng cao bao gồm: của Michelangelo Genesis Nhà nguyện Sistine các bức bích họa của Leonardo Virgin of the Rocks (1484-6, Louvre, Paris), Lady with a Ermine (1490) Bảo tàng Czartoryski, Krakow, Bữa ăn tối cuối cùng (1495-8, Santa Maria delle Grazie, Milan) và nàng mô na Li Sa (1503-5, Louvre) của Raphael Sistine Madonna (1513), Sự biến hình (1518-20), Chân dung Baldassare Castiglione (1514-15) và Trường học Athens (1509-11), trong Phòng Raphael ở Vatican và Titian's Giả định về Trinh nữ (1518, S. Maria Gloriosa dei Frari).

Điểm nổi bật của tác phẩm điêu khắc thời Phục hưng cao bao gồm: Pieta (1500, St Peter's, Rome) và David của Michelangelo (1501-4, ban đầu nằm ở Piazza della Signoria, Florence, hiện thuộc Học viện Nghệ thuật của thành phố).

Thời kỳ Phục hưng cao mở ra trước sự gia tăng căng thẳng tôn giáo và chính trị, vốn ảnh hưởng đến các họa sĩ và nhà điêu khắc, cũng như những người bảo trợ nghệ thuật trên khắp nước Ý. Sau khi thành Rome bị bao vây vào năm 1527, nó đã được chế ngự bởi phong cách nhân tạo và kịch tính hơn của Chủ nghĩa đàn ông.

Sự phát triển chính trị trong thời kỳ Phục hưng cao

Việc Christopher Columbus khám phá ra châu Mỹ năm 1492, cùng với chuyến đi vòng quanh thế giới đầu tiên của Magellan vào năm 1522, đã vứt bỏ tín điều phổ biến về một trái đất phẳng vào năm 1512 Copernicus đặt mặt trời (không phải trái đất) ở trung tâm của vũ trụ nhìn thấy được. Những khám phá này đã làm rung chuyển nền tảng của thần học cùng với nhiều giả thiết về cuộc sống của con người.

Năm 1494, Charles VIII của Pháp xâm lược Ý, gây ra biến động khắp đất nước. Cùng năm đó, sự cạnh tranh chính trị ở Florence đã dẫn đến sự nổi lên và sụp đổ của giáo sĩ cuồng tín Girolamo Savonarola (1494-8), điều này đã làm rung chuyển nghiêm trọng nghệ thuật Florentine trong quá trình này. (Trong thời gian này, người ta nói rằng Botticelli đã thực sự cam kết từ bỏ nghệ thuật.)

Năm 1517, Martin Luther đăng 95 luận án của mình ở Wittenberg, gây ra cuộc Cải cách và đẩy phần lớn châu Âu vào hỗn loạn. Điều này dẫn đến một số cuộc xung đột quân sự giữa Charles V (người cai trị Tây Ban Nha, Áo, các nước vùng thấp và miền nam nước Ý), Francis I của Pháp, Henry VIII ở Anh và các Giáo hoàng ở Rome. Kỷ nguyên kết thúc với việc thành lập La Mã vào năm 1527.

Với sự không chắc chắn như vậy, có vẻ như không thể tin được rằng Thời kỳ Phục hưng Cao có thể xảy ra. Tuy nhiên, nó đã làm. Thật vậy, những năm từ 1490 đến khi thành Rome năm 1527 chứng kiến ​​sự bùng nổ mạnh mẽ ở Ý đối với tất cả các nghệ thuật thị giác. Thời kỳ hoàng kim này - có lẽ là kỷ nguyên sáng tạo nhất trong lịch sử nghệ thuật - đã đặt ra các tiêu chuẩn cho cả hội họa và điêu khắc mỹ thuật trong nhiều thế kỷ tiếp theo.

Rome: Trung tâm của thời đại Phục hưng

Rome giờ đây đã vượt lên thành Florence với tư cách là tâm điểm của Thời kỳ đầu Phục hưng, không chỉ vì tham vọng của giáo hoàng là làm cho Rome thậm chí còn vĩ đại hơn đối thủ Florentine của nó. Sự bảo trợ cắt cổ của Giáo hoàng Julius II (1503-13) và Giáo hoàng Leo X (1513-21) đã đảm bảo và duy trì sự phục vụ của các họa sĩ như Raphael, Leonardo và Michelangelo, tất cả đều đã tạo ra sơn dầu và tranh bích họa mới lạ đáng kinh ngạc, cộng với các kiến ​​trúc sư như Donato Bramante, một nhân vật chủ chốt trong việc tái phát triển Vương cung thánh đường St Peter. Được thúc đẩy bởi các Giáo hoàng, những người muốn sử dụng nghệ thuật để củng cố vinh quang của La Mã, Thời kỳ Phục hưng Cao đã đánh dấu đỉnh cao của sự quay trở lại với các giá trị nhân văn cổ điển dựa trên nghệ thuật và văn hóa Hy Lạp cổ đại. Vì Nhà thờ là người bảo trợ chính, nên nghệ thuật Cơ đốc vẫn là thể loại chính.

Đối với các nhà lãnh đạo của thời kỳ Phục hưng Cao cấp Florentine khi Leonardo và Michelangelo đã rời đi: xem Fra Bartolommeo (1472-1517), nhà lãnh đạo 1508-12 được thay thế bởi Andrea del Sarto (1486-1530).

Trong khi đó ở Venice. Giovanni Bellini (1430-1516) bận rộn phát triển một trường phái hội họa Venice riêng biệt, dựa trên ưu thế của colorito kết thúc bỏ qua. Các học trò của ông bao gồm Giorgione bí ẩn tồn tại trong thời gian ngắn (1477-1510), Sebastiano del Piombo (1485-1547) và Titian (1777-1576), được cho là người vẽ màu hàng đầu của thời kỳ Phục hưng Ý, cũng như các bậc thầy cấp tỉnh như Lorenzo Lotto (1480-1556). Đặc biệt, hãy xem Giorgione's Tempest (1508, Phòng trưng bày Học viện Venice) và Venus đang ngủ (1510, Gemaldegalerie, Dresden) Để biết thông tin về vẽ chân dung, xem: Bức tranh chân dung Venice (c.1400-1600).

Ở những nơi khác ở Ý, các giá trị thời kỳ Phục hưng cao cũng ảnh hưởng đến các trung tâm cấp tỉnh như Trường hội họa Parma và Trường học Bolognese sau này (những năm 1580 trở đi).

Lưu ý: Phần lớn công trình tiên phong về ghi nhận các bức tranh trong thời kỳ Phục hưng Ý, được thực hiện bởi học giả nghệ thuật Bernard Berenson (1865-1959), người sống phần lớn cuộc đời gần Florence, và đã xuất bản một số tác phẩm có ảnh hưởng lớn đến thời kỳ Phục hưng Ý. .

Thẩm mỹ thời kỳ Phục hưng cao

Kể từ khi Giotto từ bỏ nghệ thuật thời trung cổ để ủng hộ việc miêu tả thiên nhiên, những người kế thừa của ông từ quattrocento cố gắng tìm ra ngày càng nhiều cách để cải thiện hình ảnh của họ về thế giới thực. Các kỹ thuật liên quan đến phối cảnh tuyến tính và các điểm biến mất, thu nhỏ trước, thiết bị ảo ảnh, chiaroscurosfumato đổ bóng - tất cả các phương pháp này đã được thành thạo trong thời kỳ Phục hưng Cao. Trong cinquecento, bức tranh sơn dầu được áp dụng phổ biến gần như đã loại bỏ các màu mờ của thế kỷ 15 và giúp khoảng cách có thể được truyền tải chỉ thông qua sự chuyển màu của tông màu - một quá trình được gọi là phối cảnh trên không hoặc khí quyển.

Mặc dù vậy, mặc dù chủ nghĩa hiện thực ngày càng tăng trong nghệ thuật của họ, các nghệ sĩ thời kỳ Phục hưng cao vẫn khao khát cái đẹp và sự hài hòa hơn hơn chủ nghĩa hiện thực. Những bức tranh của họ có thể dựa trên tự nhiên nhưng họ không quan tâm đến việc sao chép đơn thuần. Thay vào đó, họ tìm kiếm sự thật cuối cùng trong một nghiên cứu về thế giới cổ điển của văn hóa Hy Lạp và La Mã. Chính điều này đã cung cấp cho các nghệ sĩ một lý tưởng về sự hoàn hảo: tính thẩm mỹ của họ. Do đó, triết học Hy Lạp đã cung cấp bí mật về kiểu người hoàn hảo với tỷ lệ cân đối, cấu trúc cơ bắp, khuôn mặt trái xoan, trán hình tam giác, mũi thẳng và sự cân đối - với trọng lượng ở một bên hông - tất cả đều có thể được nhìn thấy trong các bức tranh của Raphael, và tác phẩm điêu khắc vô cùng biểu cảm của Michelangelo. Đặc biệt, người thứ hai không bao giờ sợ bẻ cong các quy tắc thực tế về giải phẫu và tỷ lệ, để tăng sức mạnh biểu đạt của mình.

Chính nhờ triết học Hy Lạp Cổ điển mà các nhà lý thuyết và nghệ sĩ thời Phục hưng đã phát triển ý tưởng của họ về 'Chủ nghĩa nhân văn'. Chủ nghĩa nhân văn là một lối suy nghĩ coi trọng Con người hơn và ít quan trọng hơn đối với Chúa. Nó thấm nhuần nghệ thuật thời Phục hưng với hương vị độc đáo của nó, như được minh họa trong các tác phẩm như của Leonardo nàng mô na Li Sa (một bức tranh phi tôn giáo), của Michelangelo David - một bức tượng con người hơn là tôn giáo - và bức bích họa thế tục tuyệt vời của Raphael Trường học Athens. Ngay cả khi các nghệ sĩ thời kỳ Phục hưng cao vẽ các bức tranh tôn giáo, hoặc điêu khắc một khung cảnh tôn giáo, rất thường họ không tôn vinh Chúa mà là Con người. Họ đề cao những lý tưởng của mỹ học cổ điển. Nghịch lý thay, một số tác phẩm thần thoại - chẳng hạn như Jupiter và Io (1533) của Correggio - làm ngược lại: họ không tôn vinh loài người mà là các vị thần!

Lưu ý: Dưới con mắt của ít nhất một chuyên gia về Phục hưng Châu Âu - Jacob Burckhardt (1818-97), Giáo sư Lịch sử Nghệ thuật tại Đại học Basel và là tác giả của & quot Nền văn minh Phục hưng ở Ý & quot (Die Kultur der Renaissance ở Italien), xuất bản năm 1860 , năm mươi năm đầu của thế kỷ 16 đại diện cho Kỷ nguyên vàng của nghệ thuật Phục hưng.

Để biết chi tiết về các bộ sưu tập Châu Âu của quattrocentocinquecento Tranh Ý, xem: Bảo tàng Nghệ thuật ở Châu Âu.

Kiến trúc thời kỳ Phục hưng cao

Sự tái khám phá kiến ​​trúc Hy Lạp và kiến ​​trúc La Mã sau này, và sự trẻ hóa của nó bởi các kiến ​​trúc sư thời Phục hưng Ý như Filippo Brunelleschi (1377-1446), Leon Battista Alberti (1404-72), Guiliano da Sangallo (1443-1516), Donato Bramante (1444- 1514), Raphael (1483-1520), Michelangelo (1475-1564), Baldessare Peruzzi (1481-1536), Michele Sanmicheli (1484-1559), Jacopo Sansovino (1486-1570), Giulio Romano (1499-1546), Andrea Palladio (1508-80) và Vincenzo Scamozzi (1548-1616), đã dẫn đến việc giới thiệu lại các giá trị cổ điển trong hầu hết các thiết kế tòa nhà thời đó. Các trật tự kiến ​​trúc của người Hy Lạp đã được phát hiện, cùng với tỷ lệ xây dựng lý tưởng, trong khi các cột Doric và Corinthian được đưa vào một loạt các cấu trúc tôn giáo và thế tục. Những mái vòm thời Phục hưng bắt đầu xuất hiện, tôn lên những đỉnh của các nhà thờ và cung điện.

Kiến trúc thời kỳ Phục hưng cao được thể hiện rõ nhất qua các tác phẩm của Donato Bramante, đặc biệt là thiết kế ban đầu cho mái vòm của Vương cung thánh đường St Peter mới ở Rome, cũng như Tempietto (1502) tại S. Pietro ở Montorio, một mái vòm tập trung gợi nhớ kiến ​​trúc đền thờ Hy Lạp. Ông cũng tham gia chặt chẽ với Giáo hoàng Julius II trong việc lập kế hoạch thay thế Old St Peter's thế kỷ thứ 4 bằng một vương cung thánh đường mới có kích thước khổng lồ.

Một phần của di sản lâu dài của nghệ thuật Phục hưng Ý là Beaux-Arts phong cách kiến ​​trúc. Một sự pha trộn xa hoa giữa phong cách Phục hưng và Baroque, các thiết kế Beaux-Arts xuất hiện trong thế kỷ 19 và được các sinh viên tốt nghiệp của Ecole des Beaux-Arts, ở Paris. Ở Mỹ, phong cách này được giới thiệu bởi Richard Morris Hunt (1827-95) và Cass Gilbert (1859-1934).


Chủ nghĩa cổ điển trong nghệ thuật


Tam ân (1813-16)
Bảo tàng Hermitage, St Petersburg.
Ví dụ về điêu khắc tân cổ điển
của Antonio Canova.

Chủ nghĩa Cổ điển là gì? Tân cổ điển là gì?

Trong nghệ thuật thị giác, thuật ngữ & quotclassicism & quot (tính từ: người theo chủ nghĩa cổ điển) thường đề cập đến sự bắt chước nghệ thuật thời cổ đại cổ điển (khoảng năm 1000 TCN - 450 CN), đáng chú ý là sự bắt chước của & quotGreek art & quot và & quotRoman Art & quot, cũng như các nguyên mẫu trước đó như & quotAegean Art & quot (c.2500-1100 TCN) và & quotEtruscan art & quot (c.700-100 TCN). Vì vậy, ví dụ, bất kỳ kiến ​​trúc, hội họa hoặc tác phẩm điêu khắc nào được sản xuất từ ​​thời Trung cổ trở lên, được lấy cảm hứng từ nghệ thuật của Hy Lạp cổ đại hoặc La Mã cổ đại, đều là một ví dụ của chủ nghĩa cổ điển (hoặc có thể được coi là chủ nghĩa cổ điển).

Nói một cách khó hiểu, & quot; thuyết cổ điển & quot thường được sử dụng thay thế cho từ & quot; thuyết tân cổ điển & quot. Do đó, chẳng hạn, phong cách kiến ​​trúc của Tòa nhà Quốc hội Hoa Kỳ có thể được mô tả là & quot; theo trường phái cổ điển & quot hoặc & quot; theo trường phái tân cổ điển & quot.

Điều đó nói lên rằng, thuật ngữ & quot tân cổ điển & quot được sử dụng phổ biến nhất để mô tả sự phục hưng cụ thể của nghệ thuật Hy Lạp và La Mã, xảy ra ở Châu Âu và Châu Mỹ trong khoảng 1750 đến 1860. Vì vậy, trong khi Tòa nhà Quốc hội Hoa Kỳ (được xây dựng từ 1793-1829) được mô tả chính xác là & quot tân cổ điển & quot, bức tượng của Michelangelo có lẽ được mô tả tốt nhất như một ví dụ về & quot cổ điển & quot.

LƯU Ý: Tác phẩm điêu khắc Hy Lạp và đồ gốm Hy Lạp, cũng như hội họa Hy Lạp, đều được thừa nhận là vượt trội hơn hẳn so với của người La Mã. Kiến trúc Hy Lạp cũng vậy, là nền tảng cho kiến ​​trúc La Mã, mặc dù các kỹ sư La Mã đã có những tiến bộ quan trọng về vật liệu và phương pháp của Hy Lạp. Tuy nhiên, một tỷ lệ cao các tác phẩm điêu khắc Hy Lạp và các tác phẩm khác chỉ được chúng ta biết đến thông qua các bản sao do La Mã tạo ra, trong khi các tòa nhà La Mã cũng tồn tại lâu đời hơn đáng kể so với các công trình kiến ​​trúc Hy Lạp. Do đó, để biết nghệ thuật La Mã là biết nhiều về nghệ thuật Hy Lạp.

Đặc điểm của phong cách cổ điển

Mặc dù nó khác nhau giữa các thể loại, nghệ thuật cổ điển nổi tiếng với sự hài hòa, cân bằng và cảm giác về tỷ lệ. Trong hội họa và điêu khắc, nó sử dụng các nhân vật và hình dạng được lý tưởng hóa, đồng thời xử lý các đối tượng của mình theo cách không mang tính giai thoại và trung lập về mặt cảm xúc. Màu sắc luôn được phụ thuộc vào đường nét và bố cục. Nó thường được nói một cách ngắn gọn - việc xử lý mang tính cá nhân đến mức ẩn danh - và nó tìm cách đạt được hiệu quả hài hòa và đáng suy ngẫm. Kiến trúc cổ điển được quy định chặt chẽ bởi các tỷ lệ toán học. Ví dụ, các nhà thiết kế Hy Lạp đã sử dụng các phép tính toán học chính xác để cố định chiều cao, chiều rộng và các đặc điểm khác của các yếu tố kiến ​​trúc. Hơn nữa, các tỷ lệ này sẽ được thay đổi một chút - chẳng hạn như các yếu tố nhất định (cột, thủ đô, nền tảng) sẽ được giảm bớt - để tạo ra hiệu ứng hình ảnh tối ưu, thay vì thể tòa nhà là một tác phẩm điêu khắc. Những dấu hiệu vĩ đại nhất của chủ nghĩa cổ điển bao gồm những điều sau đây: (1) Ngành kiến ​​trúc: Donato Bramante và Andrea Palladio (2) Bức tranh: Raphael, Jacques-Louis David và J.A.D. Ingres (3) Điêu khắc: Michelangelo và Antonio Canova.

Lịch sử của Chủ nghĩa Cổ điển là gì?

Chủ nghĩa cổ điển thời Trung cổ (800-1400)

Nghệ thuật thời trung cổ chứng kiến ​​một số làn sóng của chủ nghĩa cổ điển. Đầu tiên được gọi là & quotCarolingian Renaissance & quot (c.750-900), bắt đầu dưới triều đại của Vua Charlemagne I (trị vì năm 768 & # 150814). Chủ nghĩa cổ điển văn hóa của thời đại Carolingian đã khai sinh ra kiến ​​trúc của Nhà nguyện Palatine tại Aachen (792-805), được lấy cảm hứng từ phong cách hình bát giác của nhà thờ San Vitale ở Ravenna vào thế kỷ thứ 6, cũng như nhiều bản thảo được chiếu sáng bằng tiếng Latinh , bao gồm Tin Mừng Lorsch, NS Utrecht Psalter, và Nhà truyền giáo Godescalc. Sự phục hưng thứ hai của chủ nghĩa cổ điển - thời đại của nghệ thuật Ottonian (khoảng 900-1050) - phát triển mạnh mẽ dưới thời Đế chế Ottonian dưới thời Otto Đại đế, người được trao vương miện cho Hoàng đế La Mã Thần thánh ở Rome vào năm 962. Nó bị ảnh hưởng đặc biệt bởi di sản Carolingian, và mối quan tâm mới đối với nghệ thuật miền bắc Ý, cũng như tiếp xúc nhiều hơn với nghệ thuật Byzantine của Đế chế Đông La Mã. Cho đến năm 1050, hầu hết các tác phẩm nghệ thuật cổ điển đã được sản xuất bên trong các tu viện Cơ đốc giáo. Trong hơn ba trăm năm sau đó, Giáo hội Cơ đốc dành phần lớn sự chú ý của mình cho một loạt các chương trình xây dựng nhà thờ và thánh đường. Nó bắt đầu bằng cách áp dụng phong cách kiến ​​trúc Romanesque (khoảng 1000-1150), sử dụng lại các mái vòm tròn, khối tường và hầm chứa của người La Mã, nhưng nhiều yếu tố kiến ​​trúc của thời cổ đại cổ điển đã nhanh chóng bị loại bỏ, một xu hướng được tăng tốc trong thời kỳ tiếp theo của kiến ​​trúc Gothic (c.1120-1400).

Chủ nghĩa cổ điển thời Phục hưng (1400-1600)

Không có gì ngạc nhiên khi Ý - trung tâm của Đế chế La Mã, và là nơi có nhiều thuộc địa Hy Lạp với truyền thống nghệ thuật Hy Lạp hóa của họ - đã chứng kiến ​​sự phục hưng lớn nhất trong tất cả các cuộc phục hưng cổ điển ở châu Âu, một quá trình lần đầu tiên diễn ra ở Florence vào đầu thời kỳ quattrocento (thế kỷ 15) . Được gọi là Phục hưng Ý - hay có lẽ chính xác hơn là Phục hưng Florentine - ban đầu nó được dẫn dắt bởi kiến ​​trúc sư Filippo Brunelleschi (1377 & # 1501446), nhà lý luận nghệ thuật Leon Battista Alberti (1404 & # 1501472), nhà điêu khắc Donatello (1386 & # 1501466) và họa sĩ Masaccio (1401 & # 1501428). Brunelleschi đặc biệt quan tâm đến tỷ lệ toán học của các tòa nhà La Mã cổ đại, điều mà ông tôn kính. Alberti, người nghĩ rằng chủ nghĩa cổ điển đồng nghĩa với cái đẹp, nổi tiếng với các luận thuyết của mình De StatuaDella Pittura (1435) và De Re Aedificatoria (1452), và tìm cách làm cho các nguyên tắc phối cảnh có thể tiếp cận được với nhiều nghệ sĩ muốn tìm hiểu kỹ thuật mới này. Donatello sử dụng các nguyên tắc tương tự để bắt chước các bức tượng Hy Lạp, trong khi Masaccio đưa các yếu tố cổ điển vào nội dung các bức tranh của mình, bao gồm cả kỹ thuật phối cảnh của riêng ông. Chủ nghĩa cổ điển tiếp tục thống trị nghệ thuật thời kỳ Phục hưng ở Rome - được gọi là thời kỳ Phục hưng cao - được thể hiện bằng hình ảnh cổ điển có tỷ lệ cân đối Sistine Madonna (1513-14) bởi Raphael (1483 & # 1501520) và Người đàn ông Vitruvian (1492), một nghiên cứu của Leonardo da Vinci về tỷ lệ cơ thể người (nam giới) được mô tả bởi kiến ​​trúc sư người La Mã Vitruvius (khoảng 28-10 TCN). Nghệ thuật thời kỳ Phục hưng ở Venice cũng bị ảnh hưởng rất nhiều bởi thời kỳ cổ đại cổ điển, do sự liên kết chặt chẽ của thành phố với Constantinople (Byzantium), nơi từng là nơi ngự trị của các Hoàng đế Đông La Mã, và vẫn là trung tâm văn hóa Hy Lạp cổ đại. Nghệ thuật khảm theo phong cách Byzantine là một đặc sản đặc biệt. Kiến trúc thời Phục hưng của Venice cũng được lấy cảm hứng từ các ví dụ cổ điển - đặc biệt là kiến ​​trúc sư cổ điển Andrea Palladio (1508-80), người có thiết kế dựa trên các giá trị của kiến ​​trúc cổ điển, như Vitruvius và những người khác đã phác thảo.

Các nguyên tắc thành lập cổ điển của thời kỳ Phục hưng Ý lan truyền về phía tây sang Pháp và Tây Ban Nha, và về phía bắc vào Đức và các Quốc gia vùng thấp. Và với sự xuất hiện của những cuốn sách in tương đối rẻ, việc nghiên cứu văn học cổ điển trở nên phổ biến hơn cho đến cuối thế kỷ 16, nó đã trở thành tiêu chuẩn trong hầu hết các chương trình giảng dạy đại học.

Chủ nghĩa cổ điển Baroque (1600-1700)

Sự hài hòa và tỷ lệ cân đối của nghệ thuật Phục hưng theo chủ nghĩa cổ điển cuối cùng không đủ cho những thúc đẩy sáng tạo của đầu thế kỷ 17, và nó được thay thế bằng nghệ thuật Baroque, một thành ngữ phức tạp và kịch tính hơn nhiều, mà những bậc thầy vĩ đại nhất bao gồm Caravaggio (1573-1610) và Andrea Pozzo (1642-1709). Nhưng một hoặc hai sợi dây của chủ nghĩa cổ điển vẫn còn. Ví dụ, Annibale Carracci và Trường phái Bolognese của ông có ảnh hưởng đặc biệt - vui lòng xem: Chủ nghĩa Cổ điển và Chủ nghĩa Tự nhiên trong Hội họa Ý thế kỷ 17 - Nicolas Poussin (1594-1665) và Claude Lorrain (1600-82) cũng vậy. Thật vậy, vào cuối thế kỷ 17, truyền thống Cổ điển đã trở thành một nét đặc trưng lâu dài của nghệ thuật phương Tây, thông qua việc mở một loạt & quotacademies & quot chính thức, với các chương trình giảng dạy được thiết kế để giáo dục sinh viên theo các nguyên tắc cổ điển được thúc đẩy bởi thời Phục hưng Ý.

Chủ nghĩa tân cổ điển (1780-1850)

Trong suốt đầu / giữa thế kỷ 18, nghệ thuật Baroque đã nhường chỗ cho Rococo suy đồi, hay thay đổi. Sau đó, vào khoảng năm 1780, phong cách phù phiếm này được thúc đẩy bởi sự phục hưng vĩ đại tiếp theo của nghệ thuật cổ điển, được gọi là Tân cổ điển. Được học giả Johann Winckelmann (1717-68) yêu thích, phong cách mới này được thể hiện qua bức tranh tân cổ điển của Jacques-Louis David (1748-1825) những bức tranh của người theo ông J.A.D. Ingres (1780-1867) tác phẩm điêu khắc tân cổ điển của Antonio Canova (1757-1822) và kiến ​​trúc của các nhà thiết kế như Jacques Soufflot (1713-80), Thomas Jefferson (1743-1826) và những người khác.

Chủ nghĩa cổ điển thế kỷ 19/20

Chủ nghĩa cổ điển đã coi những thành tựu của Hy Lạp và La Mã cổ đại - lý tưởng cổ điển - như một tiêu chuẩn để đánh giá xã hội đương đại. Bắt đầu là một phong trào học giả và tu viện tinh hoa, nó dần dần được áp dụng vào mọi khía cạnh của cuộc sống, bao gồm cả nghệ thuật thị giác và kiến ​​trúc. Tuy nhiên, từ thế kỷ 18 trở đi, những khám phá của khoa học hiện đại cũng như những phát triển trong lý thuyết chính trị và xã hội, dần dần bắt đầu tiết lộ người Hy Lạp và La Mã có bao nhiêu. không phải đã biết. Kết quả là - ngoại trừ phong cách nghệ thuật hàn lâm dựa trên cổ điển, đã được Viện Hàn lâm Pháp và Hội Anh em tiền Raphaelite (1848-55) chấp thuận - chủ nghĩa cổ điển chưa bao giờ phổ biến rộng rãi trong nghệ thuật và các lĩnh vực khác, trong suốt thế kỷ 19 và Thế kỷ 20, như nó đã từng xảy ra trước đây.

Để biết về sự thôi thúc của chủ nghĩa cổ điển mới nhất, hãy xem Sự hồi sinh cổ điển trong nghệ thuật hiện đại (c.1900-30). Sự quay trở lại hình ảnh theo phong cách cổ điển này bao gồm sự đóng góp của Picasso (1881-1973) - xem thêm Các bức tranh hình tân cổ điển của Picasso - cũng như các nghệ sĩ đa dạng như Andre Derain (1880-1954), Matisse (1869-1954), Fernand Leger ( 1881-1955), Giorgio de Chirico (1888-1978) và Giorgio Morandi (1890-1964), để kể tên nhưng một số ít.

LƯU Ý: Tất cả các thời kỳ của chủ nghĩa cổ điển đều có chung một sự tôn kính nhất định đối với các giá trị nghệ thuật của thời cổ đại, mặc dù chúng khác nhau đáng kể trong cách giải thích các giá trị này, tùy thuộc vào thời đại cũng như thể loại (kiến trúc, hội họa, điêu khắc). Hơn nữa, một số nhà cổ điển hiện đại ít ngưỡng mộ hơn đối với hình thức vật chất của đồ cổ, và nhiều hơn nữa sự ngưỡng mộ đối với Bản chất. Ví dụ, chủ nghĩa lập thể được coi là một thành ngữ theo trường phái cổ điển nhờ sự nhấn mạnh vào cấu trúc và hình thức, cơ sở của nó trong hình học và hiệu ứng được mong đợi của nó, thường hài hòa và đáng suy ngẫm.

Những ví dụ nổi tiếng về nghệ thuật cổ điển

Lời thề của Horatii (1784) của Jacques-Louis David.
Bảo tàng Louvre, Paris.

Cái chết của Marat (1793) của Jacques-Louis David.
Bảo tàng Louvre, Paris.

Những người tắm lớn (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905) của Cezanne.
Phòng trưng bày Quốc gia, Bảo tàng Nghệ thuật London, Quỹ Philadelphia Barnes, Merion, PA.

Hai khỏa thân (1906) của Picasso.
Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, New York.

Sự không chắc chắn của nhà thơ (1913) của De Chirico.
Bộ sưu tập Tate, London.

Bài hát của tình yêu (1914) của De Chirico.
Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, New York.

Quý ông say rượu (1916) của Carlo Carra.
Bộ sưu tập riêng.

Bather lớn (1921) của Picasso.
Musee de l'Orangerie, Paris.

Thợ máy (1920) của Fernand Leger.
Phòng trưng bày Quốc gia Canada.

Ba người phụ nữ (Le Grand Dejeuner) (1921) của Fernand Leger.
Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, New York.

Khỏa thân trên nền đỏ (1923) của Fernand Leger.
Kunstmuseum, Basel.

Hai chị em gái (1935) của Fernand Leger.
Gemaldegalerie SMPK, Berlin.

Peter Đại đế & quot Người kỵ sĩ bằng đồng & quot (1766-78) St Petersburg.
Bởi Etienne-Maurice Falconet

Chân dung Voltaire ở Toga (1778) Bảo tàng Hermitage, St Petersburg.
Bởi Jean-Antoine Houdon

Apollo tự đăng quang (1781) Bảo tàng J Paul Getty, Los Angeles.
Thần Cupid và Psyche (1786-93) Đá cẩm thạch, Louvre, Paris.
Bởi Antonio Canova

Jason với bộ lông cừu vàng (1802-3) Bảo tàng Thorvaldsen, Copenhagen.
Bởi Bertel Thorvaldsen

& # 149 Kiến trúc Phục hưng (c.1400-1600)
Lịch sử, Đặc điểm, Công trình nổi tiếng.

& # 149 Kiến trúc Tân cổ điển (1640-1850)
Tòa nhà Quốc hội Hoa Kỳ, Washington DC Điện Pantheon, Paris.

& # 149 Tượng Nữ thần Tự do (1870-86)
Đứng trên một chiếc bệ cổ điển, do Richard Morris Hunt thiết kế.


Trục xuất khỏi Vườn Địa Đàng (1426-27)

Bức bích họa này miêu tả Adam và Eve khỏa thân khi họ bị trục xuất khỏi Vườn Địa đàng. Họ bước ra ngoài qua một cổng vòm mà từ đó phát ra các đường màu đen, đại diện cho tiếng nói giận dữ của Chúa, với một thiên thần mặc áo khoác màu đỏ cầm thanh kiếm đen bay lượn phía trên để mở đường cho họ. Adam vùi mặt vào tay mình, ngôn ngữ cơ thể và nét mặt của anh ấy thể hiện sự đau khổ sâu sắc. Khuôn mặt của Eve há hốc mồm và lộ ra vẻ khó chịu, hai tay cô ấy được giữ trong tư thế Venus Pudica để che ngực và vùng mu như thể đang xấu hổ. Bối cảnh là trần trụi, chỉ có đất và một khối đá kỳ dị, gợi lên số phận khó khăn phía trước cho cặp vợ chồng xa xứ. Bố cục rất thanh lịch, nhấn mạnh sự xa rời của cặp đôi với cảm xúc dâng cao. Đường phân chia trái đất và bầu trời xanh chạy theo đường chéo từ trái sang phải để làm nổi bật chuyển động về phía trước của cặp đôi, khi hai bàn chân đối diện của họ phản chiếu nhau trên đường đi. Hình ảnh khoả thân của hai nhân vật, với tỷ lệ cân đối cổ điển, không gợi cảm nhưng cho thấy hoàn cảnh khắc nghiệt của họ, bị tước bỏ sự ưu ái của Chúa.

Cảnh này là một phần trong chu trình bích họa của các cảnh trong Kinh thánh trong nhà nguyện Brancacci do Masaccio vẽ, cũng như Masolino và các nghệ sĩ khác. Khi miêu tả hai người khỏa thân, người nghệ sĩ đã rời khỏi câu chuyện trong Kinh thánh, trong đó họ đeo lá vả, và táo bạo, đã tạo ra những bức tranh khỏa thân đầu tiên kể từ thời La Mã. Ông cũng thêm vòm và giảm nhiều cherubs được đề cập trong tài khoản Kinh thánh để tập trung vào một thiên thần.

Khung cảnh nằm ở lối vào bên trái của sảnh Chapel, trở thành hình ảnh đầu tiên mà du khách bắt gặp, đưa họ vào câu chuyện nổi tiếng, khi Adam và Eve bước ra khỏi cổng vòm, phần mở rộng bằng sơn của một cột kiến ​​trúc. Việc nghệ sĩ đưa kiến ​​trúc vào không gian hình ảnh không phải là sự đổi mới triệt để duy nhất của ông. Việc sử dụng phối cảnh tuyến tính của anh ấy, chiaroscuro (sử dụng chiến lược bóng và ánh sáng để tạo chiều sâu), và một cách tiếp cận tượng hình thực tế đối lập trực tiếp với phong cách biểu tượng phẳng tiêu chuẩn trong việc trình bày các câu chuyện và nhân vật tôn giáo. Kết quả là A-đam và Ê-va trở nên nhân bản, thay vì bị xếp vào bệ thờ cúng như những biểu tượng thiêng liêng. Cặp đôi được thể hiện đầy đủ và biểu cảm, sống trong không gian thực, vai họ cúi xuống, và bước đi của họ bị đè nặng bởi số lượng lớn bị trục xuất. Nhà phê bình nghệ thuật Clyde Haberman lưu ý rằng Masaccio "đã phá vỡ truyền thống thời Trung cổ bằng cách đưa chủ nghĩa hiện thực thô sơ vào hình dáng và biểu hiện của con người. Không ai có thể nghi ngờ nỗi thống khổ của Adam và Eve khi họ bị trục xuất khỏi Thiên đường."

Các nghệ sĩ tiếp theo sẽ tiếp tục hình dung tác phẩm của chính họ trong mô hình thẩm mỹ mới này trong tầm nhìn của Masaccio. Cả Michelangelo và Leonardo da Vinci đều đã đến thăm Nhà nguyện để nghiên cứu và phác thảo hình người của Masaccio, mà da Vinci gọi là "hoàn hảo". Các nghệ sĩ sau này như nhà điêu khắc Henry Moore cũng nghiên cứu các tác phẩm của ông.

Chúa Ba Ngôi (1426-27)

Bức bích họa này mô tả Chúa Ba Ngôi. Chúa Kitô, bị đóng đinh, là nhân vật trung tâm với Thiên Chúa Cha đứng sau lưng Người. Một con chim bồ câu trắng nhỏ trên đầu của Chúa Kitô tượng trưng cho Chúa Thánh Thần. Trong hốc kiến ​​trúc chứa ba ngôi nhà, bạn cũng có thể nhìn thấy Đức Maria, mặc đồ màu xanh lam ở bên trái trong khi John the Disciple đứng ở bên phải, cả hai đều nhìn lên Chúa Kitô trong lòng sùng kính. Ở hai bên của các cột, những người bảo trợ không xác định của công trình được ủy thác quỳ gối trong hồ sơ. Bên dưới họ, một bộ xương nằm trong một ngôi mộ có dòng chữ: "Tôi đã từng là bạn và tôi cũng sẽ là bạn", tượng trưng cho một vật lưu niệm, hoặc một vật thể phục vụ như một lời cảnh báo hoặc nhắc nhở về sự không thể tránh khỏi của cái chết. .

Theo thông lệ đối với tác phẩm của Masaco, tác phẩm này đã giúp cách mạng hóa hội họa với việc sử dụng phối cảnh tuyến tính một điểm, tạo ra ảo giác về không gian ba chiều. Người nghệ sĩ đã cố ý căn chỉnh khung cảnh của bức bích họa với kiến ​​trúc hiện có của nhà thờ để tăng cường trompe l'oeil tác dụng. Để tạo ra tác phẩm, ông đã sử dụng một khung lưới được khắc vào bề mặt và tham khảo ý kiến ​​của Brunelleschi về phối cảnh tuyến tính, vì phối cảnh của ngay cả những chiếc đinh trong chữ thập cho thấy cách tiếp cận nghiêm ngặt của ông. Thiết kế sử dụng khải hoàn môn La Mã và vòm thùng để tạo ra một không gian hợp lý nhưng thần thánh mà các tượng thánh có kích thước bằng người sống chiếm giữ, trong khi các vị thần bảo trợ và bộ xương, được đặt bên ngoài vòm thùng, chiếm không gian của người xem. Du khách vào thời điểm đó đã rất ngạc nhiên về khả năng tạo ra một tác phẩm chân thực của nghệ sĩ đến mức nhiều người nghĩ rằng họ đang nhìn vào một nhà nguyện thực sự. Một trải nghiệm nội tạng về công việc đã được thúc đẩy, tạo ra một trải nghiệm đáng suy ngẫm về cái chết và sự vô tận.

Những con số có kích thước như người thật cũng thể hiện một hiệu ứng tự nhiên đáng kể về khối lượng, chuyển động và biểu hiện cảm xúc sâu sắc. Như Mary McCarthy, nhà sử học nghệ thuật, đã viết, "Bức bích họa, với tính logic khủng khiếp của nó, giống như một bằng chứng trong triết học hoặc toán học, Chúa Cha, với đôi mắt không ngừng của Ngài, là tiên đề mà từ đó mọi thứ khác tuôn chảy không thể thay đổi." Đồng thời, Đức Maria, khuôn mặt trang nghiêm, tạo ra một cầu nối giữa thần thánh và con người bằng cách nhìn về phía người xem và cử chỉ về phía con trai của mình, cung cấp một con đường vào cõi thiêng liêng, thông qua việc chiêm ngưỡng. Như Vasari đã viết trong Cuộc đời của các nghệ sĩ (1550) về công việc của Masaccio, "Mọi thứ được thực hiện trước anh ta có thể được mô tả là nhân tạo, trong khi anh ta tạo ra tác phẩm sống động, thực tế và tự nhiên."

Dome of Cattedrale di Santa Maria del Fiore (Nhà thờ Florence) (1420-36)

Nghệ sĩ: Filippo Brunelleschi

Bức ảnh này cho thấy mái vòm bát giác nổi tiếng của Brunelleschi tôn lên Nhà thờ Florence. Đá đỏ của nó, biểu tượng cho tình yêu đá của người Florentine và màu đỏ của Medici, thống trị đường chân trời với một trong những quang cảnh được công nhận và mang tính biểu tượng nhất thế giới. Bao gồm hơn bốn triệu viên gạch, nó vẫn là mái vòm xây lớn nhất trên thế giới.

Thiên tài kiến ​​trúc của Brunelleschi có thể được nhìn thấy trong cảm giác nổi của cấu trúc với các đường gân màu trắng nhấn mạnh lực nâng thẳng đứng và độ cong dốc thu hẹp ở đỉnh. Brunelleschi cũng thiết kế chiếc đèn lồng màu trắng ở đầu của nó, mặc dù bạn của ông, kiến ​​trúc sư Michelozzi, đã hoàn thành nó vào năm 1461, mười lăm năm sau cái chết của Brunelleschi. Mái vòm đã trở thành biểu tượng trực quan của "The New Athens", như Florence đã tự đặt tên cho chính nó, vì nó gợi lên cảm giác hạn chế và tỷ lệ cổ điển, lặp lại hình dạng bát giác của nhà thờ bên dưới và kéo nó lên trời.

Mái vòm là một kiệt tác mang tính cách mạng, vì kiến ​​trúc sư đã trang bị cả giàn giáo bên trong và các giá đỡ bên ngoài (như cột chống) mà trước đây được cho là cần thiết. Thay vào đó, ông đã tạo ra một mái vòm bên trong một mái vòm, do đó phát minh ra một hệ thống hỗ trợ mới, nơi các viên gạch nằm trong một vòm ngược của mô hình xương cá hướng trọng lượng ra ngoài thay vì hướng xuống. Ông cũng sản xuất công nghệ mà ông cần để hiện thực hóa dự án của mình, bao gồm cả vận thăng cơ khí đầu tiên và sau đó, castello, hoặc cần trục ngang. Những cải tiến về cấu trúc khác bao gồm việc sử dụng vòm dây chuyền, một loại vòm nhọn, để hỗ trợ và các dây xích bằng gỗ, đá và sắt bên trong, được tạo thành hình bát giác, hoạt động giống như những chiếc vòng để giữ mái vòm lại với nhau.

Công việc này được thông báo bởi sự nghiên cứu kỹ lưỡng của Brunelleschi về Điện Pantheon (113-125) và các công trình kiến ​​trúc La Mã cổ đại khác. Tuy nhiên, theo phong tục của mình, kiến ​​trúc sư đã giữ những khám phá của mình cho riêng mình, làm việc mà không cần ghi chú hoặc kế hoạch. Như ông đã nói sau này, khi nộp đơn đăng ký và được trao bằng sáng chế hiện đại đầu tiên cho phương tiện vận tải đường thủy, "chúng ta không được tiết lộ cho tất cả mọi người và những bí mật lặt vặt của nước chảy trong đại dương và sông, hoặc các thiết bị hoạt động trên những vùng biển này. Hãy triệu tập một hội đồng gồm các chuyên gia và bậc thầy về nghệ thuật cơ khí để cân nhắc những gì cần thiết để sáng tác và xây dựng những tác phẩm này. " Bởi vì phong cách làm việc bí ẩn của anh ấy, nhiều nhà phê bình ban đầu cho rằng thiết kế của anh ấy là không thể. Anh ấy đã chứng minh họ sai. Như nhà sử học Paulo Galluzi đã viết về Nhà thờ, "Đây là một trong những tòa nhà đẹp nhất, kỹ thuật nhất từng được xây dựng. Nó kết hợp công nghệ và thẩm mỹ theo một cách trang nhã đáng kinh ngạc. Nó tượng trưng cho sự kết hợp hoàn hảo giữa khoa học và nghệ thuật."

Tất cả các kiến ​​trúc sư của thế hệ sau đều bị ảnh hưởng bởi tác phẩm của Brunelleschi, và Leonardo da Vinci bị cuốn hút bởi cả kiến ​​trúc và công nghệ mà ông đã phát minh ra.


Nghệ thuật Carolingian, một phần giới thiệu

Charlemagne, Vua của người Frank và sau này là Hoàng đế La Mã Thần thánh, đã kích động một cuộc phục hưng văn hóa được gọi là Phục hưng Carolingian. Sự phục hưng này sử dụng đế chế Thiên chúa giáo Constantine & # 8217s làm hình mẫu, phát triển mạnh mẽ trong khoảng thời gian từ năm 306 đến năm 337. Constantine là hoàng đế La Mã đầu tiên chuyển sang Cơ đốc giáo và để lại một di sản ấn tượng về sức mạnh quân sự và sự bảo trợ nghệ thuật.

Charlemagne tự coi mình là Constantine mới và kích động sự phục hưng này bằng cách viết Admonitio generalis (789) và Epistola de litteris colendis (c.794-797). Trong Admonitio generalis, Charlemagne lập pháp cải cách nhà thờ, mà ông tin rằng sẽ làm cho thần dân của mình trở nên đạo đức hơn và trong Epistola de litteris colendis, một lá thư gửi cho Trụ trì Baugulf của Fulda, ông đã vạch ra ý định của mình về cải cách văn hóa. Quan trọng nhất, ông đã mời các học giả vĩ đại nhất từ ​​khắp châu Âu đến tòa án và đưa ra lời khuyên cho việc đổi mới chính trị, nhà thờ, nghệ thuật và văn học của ông.

Odo of Metz, Nội thất nhà nguyện Palatine, Aachen, 805 (ảnh: Holly Hayes)

Nghệ thuật Carolingian tồn tại trong các bản thảo, tác phẩm điêu khắc, kiến ​​trúc và các hiện vật tôn giáo khác được sản xuất trong giai đoạn 780-900. Những nghệ sĩ này đã làm việc riêng cho hoàng đế, các thành viên trong triều đình của ông, và các giám mục và trụ trì liên quan đến triều đình. Về mặt địa lý, sự phục hưng kéo dài qua Pháp, Thụy Sĩ, Đức và Áo ngày nay.

Charlemagne đã ủy quyền cho kiến ​​trúc sư Odo của Metz xây dựng một cung điện và nhà nguyện ở Aachen, Đức. Nhà nguyện được thánh hiến vào năm 805 và được gọi là Nhà nguyện Palatine. Không gian này từng là nơi ngự trị của quyền lực Charlemagne & # 8217s và vẫn là nơi đặt ngai vàng của ông cho đến ngày nay.

Nhà nguyện Palatine có hình bát giác với mái vòm, gợi nhớ lại hình dạng của San Vitale ở Ravenna, Ý (hoàn thành năm 548), nhưng được xây dựng bằng thùng và hầm, đây là những phương pháp xây dựng cuối cùng của La Mã. Nhà nguyện có lẽ là ví dụ tốt nhất còn sót lại của kiến ​​trúc Carolingian và có lẽ đã ảnh hưởng đến thiết kế của các nhà nguyện cung điện châu Âu sau này.

Charlemagne có một trung tâm bảo mật của riêng mình, hoặc trung tâm sao chép và chiếu sáng các bản thảo, tại Aachen. Dưới sự chỉ đạo của Alcuin of York, tập lệnh này đã tạo ra một tập lệnh mới được gọi là phân tử Carolingian. Trước sự phát triển này, các phong cách viết hoặc chữ viết ở châu Âu đã được bản địa hóa và rất khó đọc. Không thể dễ dàng đọc được một cuốn sách được viết ở một nơi ở châu Âu ở nơi khác, ngay cả khi người viết và người đọc đều thông thạo tiếng Latinh. Kiến thức về Carolingian cực nhỏ được truyền bá từ Aachen đã được chấp nhận trên toàn cầu, cho phép giao tiếp bằng văn bản rõ ràng hơn trong đế chế Charlemagne & # 8217s. Carolingian min là chữ viết được sử dụng rộng rãi nhất ở châu Âu trong khoảng 400 năm.

Nghệ thuật tượng hình từ thời kỳ này rất dễ nhận ra. Không giống như tác phẩm phẳng, hai chiều của các nghệ sĩ Cơ đốc giáo sớm và Byzantine sơ khai, các nghệ sĩ Carolingian đã tìm cách khôi phục không gian thứ ba. Họ sử dụng các bản vẽ cổ điển làm mô hình của mình và cố gắng tạo ra những ảo ảnh không gian thuyết phục hơn.

St. Mark từ Sách đọc Tin Mừng Godescalc, foo 1v., c. 781-83

Sự phát triển này được thể hiện rõ trong việc truy tìm chân dung tác giả trong các bản thảo được chiếu sáng. Sách Tin Mừng Godescalc, do Charlemagne và vợ ông Hildegard viết lại, được thực hiện vào khoảng năm 781-83 trong thời kỳ trị vì của ông với tư cách là Vua của người Franks và trước khi bắt đầu thời kỳ Phục hưng Carolingian. Trong bức chân dung của Thánh Mark, nghệ sĩ sử dụng các quy ước nghệ thuật điển hình của thời kỳ Byzantine sớm. Mặt được mô phỏng nhiều bằng màu nâu, các nếp gấp xếp nếp theo kiểu cách điệu và có rất ít hoặc không có bóng mờ. Vị trí ngồi của người truyền giảng sẽ khó tái hiện trong đời thực, vì có sự mâu thuẫn về không gian. Chân trái được hiển thị trong tư thế và chân còn lại được hiển thị thẳng. Chân dung tác giả này là tiêu biểu cho thời đại của nó.

Các Phúc âm Ebbo đã được thực hiện c. 816-35 tại Benedictine Abbey of Hautvillers cho Ebbo, Tổng Giám mục của Rheims. Chân dung tác giả của Thánh Mark là đặc trưng của nghệ thuật Carolingian và thời kỳ Phục hưng Carolingian. Người nghệ sĩ đã sử dụng những đường nét điên cuồng đặc biệt để tạo ra ảo giác về hình dáng và vị trí cơ thể của người truyền bá Phúc âm & # 8217s. Bệ bước chân nằm ở một góc không thực tế khó xử, nhưng đã có rất nhiều nỗ lực của nghệ sĩ để thể hiện cơ thể như một vật thể ba chiều trong không gian. Chân phải được đặt dưới ghế và nghệ sĩ cố gắng cho người xem thấy, thông qua việc sử dụng các đường cong và bóng mờ, rằng chân có hình dạng. Có bóng râm và sự nhất quán của phối cảnh. Nhà truyền giáo ngồi trên ghế tạo dáng đáng tin.

Thánh Mark từ Phúc âm Ebbo, trang 18v., C. 816-35

Charlemagne, giống như Constantine trước ông, đã để lại một di sản gần như thần thoại. Thời kỳ Phục hưng Carolingian đánh dấu nỗ lực vĩ ​​đại cuối cùng để phục hưng văn hóa cổ điển trước thời kỳ Hậu Trung cổ. Đế chế Charlemagne & # 8217s do những người kế vị của ông lãnh đạo cho đến cuối thế kỷ thứ chín. Vào đầu thế kỷ thứ mười, người Ottonians đã lên nắm quyền và tán thành những lý tưởng nghệ thuật khác nhau.


Nghệ thuật Cơ đốc (c.150-2000) Lịch sử và đặc điểm


Cực lạc của Thánh Teresa (1647-52)
Nhà thờ Santa Maria della Vittoria.
Của Bernini. Tác phẩm điêu khắc vĩ đại nhất
của Công giáo Phản cải cách.


Tranh ghép Thiên chúa giáo Byzantine thời Trung cổ
ở Nhà thờ St Mark, Venice.

Kể từ khi ra đời trong thế kỷ thứ nhất của Đế chế La Mã, Cơ đốc giáo đã lan rộng khắp thế giới để trở thành tôn giáo chính, hệ thống giá trị và chương trình xã hội của nhân loại: ít nhất là cho đến thế kỷ 20. Được điều hành đầu tiên bởi Chúa Kitô và các Tông đồ, nó dần dần khai sinh ra tổ chức thứ bậc của riêng mình, Nhà thờ Thiên chúa giáo, theo thời gian đã trở thành người bảo trợ lớn nhất và có ảnh hưởng nhất cho nghệ thuật. Thật vậy, ngay từ đầu, Giáo hội Cơ đốc đã sử dụng nhiều loại hình nghệ thuật khác nhau để tạo ra bản sắc riêng, gia tăng quyền lực và do đó thu hút những người thờ phượng. Trong quá trình này, nó đã phát triển biểu tượng Kitô giáo của riêng mình, chủ yếu dựa vào kiến ​​trúc (thánh đường, nhà thờ, tu viện), điêu khắc (tượng của Gia đình Thánh, cũng như các nhà tiên tri, tông đồ, thánh), hội họa (bàn thờ, tranh tường nhà thờ), nghệ thuật trang trí (kính màu, tranh ghép) và các bản thảo được chiếu sáng (sách Phúc âm, Thi thiên). Trên thực tế, vào đầu thế kỷ 16, Giáo hội đã ủy thác quá nhiều nghệ thuật Kinh thánh - sử dụng tiền quyên góp được thông qua thuế cao hơn, và 'bán' các phúc lợi và thụ hưởng - dẫn đến các cuộc phản đối lan rộng: các cuộc biểu tình liên kết với cuộc Cải cách, và sự phân chia của Giáo hội thành Công giáo La mã và Tin lành. Mặc dù vậy, người ta có thể nói rằng, ít nhất ở phương Tây, lịch sử của nghệ thuật là lịch sử của nghệ thuật Cơ đốc.

Bối cảnh lịch sử

Năm 313, sau gần ba thế kỷ tồn tại bấp bênh (và truyền thống nghệ thuật chỉ giới hạn ở nhẫn, con dấu, cộng với một số bức tranh trong hầm mộ), Cơ đốc giáo cuối cùng đã được phép tồn tại. Trong năm này, các Hoàng đế La Mã Constantine và Licinius đã ban hành Sắc lệnh của Milan, đã hợp pháp hóa sự thờ phượng của Cơ đốc giáo. Sau đó, vào năm 380, tương lai của Cơ đốc giáo được đảm bảo khi Hoàng đế Theodosius I, Hoàng đế La Mã cuối cùng cai trị toàn bộ đế chế, tuyên bố rằng từ đó trở đi là đế chế. tôn giáo được ủy quyền duy nhất. Trong thế kỷ thứ 5, dưới áp lực của các cuộc tấn công man rợ, Đế chế La Mã chia thành hai nửa: phía đông và phía tây. Nửa phía đông, trung tâm là Constantinople, đã thông qua Nhà thờ Chính thống giáo Đông phương, trở nên nổi tiếng thế giới với bức tranh biểu tượng và đồ khảm, nửa phía tây vẫn ở lại Rome, và tiếp tục theo sau Nhà thờ La Mã. Sau này nở rộ dưới thời Charlemagne và người Ottonians, và tái lập hoàn toàn bằng chiến dịch xây dựng các nhà thờ lớn theo phong cách Romanesque và Gothic (khoảng 1000-1350). Sau đó, vào năm 1517, mục sư người Hà Lan Luther phát động cuộc cách mạng tôn giáo, được gọi là Cải cách, đỉnh điểm là việc hình thành một hình thức Cơ đốc giáo khiêm tốn hơn, ít thứ bậc hơn, được gọi là Đạo Tin lành, kể từ khi Nhà thờ La Mã được gọi là Công Giáo La Mã. Nghệ thuật Cơ đốc bao gồm cả Công giáo La Mã và Tin lành, cũng như chi nhánh trước đó, Nhà thờ Chính thống phương Đông.

Nghệ thuật Cơ đốc giáo sơ khai ở Rome (c.150-450)

Cho đến khi hợp pháp hóa Cơ đốc giáo vào năm 313, nghệ thuật Cơ đốc giáo ban đầu tương đối khan hiếm. Nó bao gồm bức tranh bích họa trên tường của một số hầm mộ (khu chôn cất bên ngoài tường thành) và & quothouse-nhà thờ & quot nơi gặp gỡ một số thiết kế kiến ​​trúc đơn giản cho các công trình (tử đạo) được dựng lên trên mộ của các liệt sĩ và một số quan tài, được chạm khắc với nhiều biểu tượng hoặc phù điêu khác nhau của Chúa Giêsu, Đức Mẹ Maria và các nhân vật trong Kinh thánh khác. Trong những thời kỳ đầu tiên này, khi những người theo đạo Cơ đốc vẫn còn bị bức hại, hầu hết nghệ thuật La Mã Cơ đốc giáo vẫn là một phần (theo nghĩa đen) của một nền văn hóa ngầm. Hơn nữa, Cơ đốc giáo (cùng với hình ảnh được sử dụng để tượng trưng hoặc minh họa cho nó) vẫn đang phát triển từ một hội kín (mà hình ảnh của họ chỉ có thể hiểu được đối với một số ít người khởi xướng) thành một tổ chức công khai (mà hình ảnh của họ được hiểu bởi tất cả mọi người). Do đó, để bắt đầu, hội họa Kitô giáo và đặc biệt là điêu khắc Kitô giáo sơ khai đã sử dụng các mô típ từ nghệ thuật La Mã và Hy Lạp: ví dụ như hình ảnh & quotChrist trong Majesty & quot, bắt nguồn từ cả chân dung Đế quốc La Mã và chân dung Thần Zeus của Hy Lạp. Phải mất nhiều thế kỷ để hình tượng của Cơ đốc giáo được chuẩn hóa và hài hòa với các văn bản Kinh thánh.

Một khi Cơ đốc giáo được phép hợp pháp, nhu cầu về nghệ thuật tôn giáo của nó tăng lên nhanh chóng. Các nhà thờ mới được xây dựng làm trung tâm thờ cúng, sử dụng thiết kế kiến ​​trúc của Vương cung thánh đường La Mã cơ bản (được sử dụng cho hành chính công dân và tư pháp). Một nhà thờ vương cung thánh đường điển hình có gian giữa với một hoặc nhiều lối đi ở hai bên và đỉnh hình bán nguyệt / đa giác ở một đầu, được bao phủ bởi một mái vòm bán nguyệt hoặc một phần, mái nhà trở thành nhà thờ trước và có một bệ nâng lên, trên đó Giám mục ngồi, các linh mục của ngài, và cả bàn thờ. Các tu viện rửa tội cũng được thiết kế và xây dựng cho nhiều nghi thức khác nhau, đặc biệt là lễ rửa tội sau đó là thông báo bằng dầu, vì những người không được rửa tội không thể vào Vương cung thánh đường Thiên chúa giáo. Hầu hết trang trí nội thất của các tòa nhà tôn giáo mới này được thực hiện bằng tranh ghép, mặc dù các bức tranh tường cũng đã được phát hiện. Trang trí điêu khắc của quan tài trở nên phức tạp hơn, thường minh họa nhiều cảnh trong kinh thánh. Nhưng hầu như không có tác phẩm điêu khắc nào trong vòng thi được thực hiện, vì sợ tạo ra những thần tượng theo phong cách ngoại giáo. Do đó, điêu khắc phù điêu là tiêu chuẩn, chủ yếu bằng đá mặc dù chạm khắc ngà voi là một phương tiện phổ biến khác. Nhìn chung, thế kỷ thứ 4 đã chứng kiến ​​nhiều nghệ thuật hơn, việc sử dụng các chất liệu phong phú hơn và sự phát triển của các trình tự tường thuật chính xác, như trong các bức tranh ghép của Santa Maria Maggiore ở Rome và các nhà thờ ở Ravenna vào thế kỷ thứ 5 sau này. Ngoài ra, trong thế kỷ thứ 5, hình ảnh Kitô giáo bắt đầu có tầm quan trọng đối với ý nghĩa tôn giáo hơn là chủ nghĩa hiện thực. Do đó, phối cảnh thực tế, tỷ lệ, màu sắc và ánh sáng đã bị hạ cấp theo các quy ước và biểu tượng tiêu chuẩn hóa, khi miêu tả các nhân vật và sự kiện trong Kinh thánh.

Nghệ thuật Byzantine: Biểu tượng, Mosaics, Kiến trúc (c.450-1450)

Nghệ thuật Byzantine, tức là nghệ thuật của Nhà thờ Chính thống Đông phương - hình thức Cơ đốc giáo xuất hiện ở Constantinople (trước đây gọi là Byzantium, nay gọi là Istanbul), trụ sở của Đế chế La Mã ở phía đông - là loại hình nghệ thuật Cơ đốc giáo đầu tiên thực sự nở rộ. . Một biểu hiện của trạng thái thần quyền mà nó đại diện, nghệ thuật Christian Byzantine chuyên về kiến ​​trúc, nghệ thuật khảm, tranh tường và vẽ biểu tượng.Các nghệ sĩ Byzantine cũng xuất sắc trong các mặt hàng đồ trang sức, kim hoàn và ngà voi, và cho ra đời bản thảo được chiếu sáng sớm nhất, hay còn gọi là codex.

Khi quyền lực của Rome suy giảm, quyền lực của Constantinople ngày càng lớn. Năm 535, quân đội của Justinian I (482-565), Hoàng đế Byzantine từ năm 527 đến năm 565, xâm lược Ý (hầu hết do những người man rợ chiếm đóng) và năm 540 chinh phục Ravenna, nơi trở thành trụ sở của chính phủ Byzantine ở Ý. Từ năm 540 đến năm 600, Exarch của Ravenna đã kích động một chương trình xây dựng lớn các nhà thờ trong thành phố và thị trấn cảng Classe của nó: chúng bao gồm Vương cung thánh đường San Vitale và Vương cung thánh đường Sant'Apollinare ở Classe. Vương cung thánh đường San Vitale kết hợp mái vòm La Mã, các ô cửa và tháp bậc, với đỉnh đa giác Byzantine, cũng như thủ đô Byzantine và những viên gạch hẹp. Nó nổi tiếng thế giới với những bức tranh khảm Byzantine, tác phẩm nghệ thuật khảm hoành tráng nhất và được bảo tồn tốt nhất bên ngoài Constantinople. Để biết chi tiết, hãy xem: Bức tranh khảm Ravenna (c.400-600).

Như hiện tại, kiến ​​trúc Byzantine đã đạt được những hình thức đặc biệt của nó trong cuộc đời của Justinian, người đã xây dựng bốn nhà thờ lớn ở Constantinople, bao gồm: Vương cung thánh đường của các Thánh Sergius và Bacchus (bắt đầu từ năm 526) Vương cung thánh đường của Thánh Irene (bắt đầu từ năm 532) Vương cung thánh đường của Apostles (536-46) - có thiết kế được sao chép lại trong Nhà thờ St Mark ở Venice - và vĩ đại nhất, Vương cung thánh đường Hagia Sophia (1532-37) (được chuyển đổi thành nhà thờ Hồi giáo vào năm 1453, nay là bảo tàng). Được tôn lên bởi một mái vòm khổng lồ có trọng lượng được dồn vào các góc cầu tàu bởi các phần đá tam giác lõm mang tính cách mạng, được gọi là mặt dây chuyền, và được trang trí khắp bằng vàng khảm và đá cẩm thạch nhiều màu, Hagia Sophia là đỉnh cao của kiến ​​trúc La Mã và là nguồn cảm hứng to lớn cho các tòa nhà sau này trong suốt Trung Đông, bao gồm cả Nhà thờ Hồi giáo Sultan Ahmed.

Nghệ thuật khảm là đặc điểm quan trọng nhất của nghệ thuật Byzantine trong gần một nghìn năm: có thể so sánh với tác phẩm điêu khắc ở Hy Lạp cổ đại, bảng sơn của thời kỳ Phục hưng phương Bắc, hoặc bàn thờ ở Venice thế kỷ 16. Lung linh trong ánh nến và đôi khi được trang trí bằng vàng lá, những bức tranh ghép hình bằng thủy tinh tinh xảo này được điều chỉnh bởi những quy tắc cứng nhắc về màu sắc, kích thước và bố cục, những bức tranh ghép có hai mục đích chính: làm đẹp ngôi nhà của Chúa (và khiến người xem cảm phục), và giáo dục những người thờ phượng mù chữ trong câu chuyện Phúc âm. Các mảnh khảm riêng lẻ (tesserae) thường được cố ý sắp đặt không đồng đều, để tạo ra chuyển động của ánh sáng và màu sắc.

Sự trỗi dậy nhanh chóng của quyền lực Ả Rập trong thế kỷ thứ 7 và hậu quả là những khó khăn kinh tế mà Đế chế Byzantine phải gánh chịu, đã dẫn đến việc đánh giá lại văn hóa Ả Rập và nghệ thuật Hồi giáo. Trong suốt thế kỷ thứ 8 (726-787) và thế kỷ thứ 9 (814-842), điều này lên đến đỉnh điểm là hai & quotIconoclasms & quot, khi một lệnh cấm được áp dụng đối với tất cả các tác phẩm nghệ thuật tượng hình. Điều này đã trở nên tồi tệ với các nhà khảm Byzantine. Nhiều người di cư đến Rome, những người kiên quyết phản đối Iconoclasm. Những người khác, nghịch lý thay, lại đến các thành phố Ả Rập, nơi họ sản xuất một số bức tranh ghép trừu tượng đẹp nhất từ ​​trước đến nay. Ví dụ, hãy xem những công trình ở Vòm đá Hồi giáo (688-91, Jerusalem) và Đại thánh đường Hồi giáo (715, Damascus).

Ravenna vẫn là nguồn ghép tốt nhất còn sót lại. Bao gồm các: Chúa Kitô là Mục tử nhân lành khảm (450, Lăng Galla Placidia) Phép báp têm của Đấng Christ khảm (thế kỷ thứ 6, Arian Baptistery) Nữ hoàng Theodora khảm (547, Basilica San Vitale) Chúa Kitô trước Pontius Pilate khảm (550, Sant'Apollinare Nuovo, Classe). Tại Istanbul, hãy xem các bức tranh khảm sàn (400-550) tại Cung điện Hoàng gia, các bức tranh ghép của Phòng trưng bày Nam (c.1260) ở Hagia Sophia và Dormition of Mary khảm (1310, Nhà thờ Tu viện Chora). Ở những nơi khác trong Đế chế Byzantine, hãy xem các bức tranh khảm tại Hagios Demetrios (650) ở Saloniki và các bức tranh ghép apse nổi bật đầu thế kỷ 12 ở Nhà thờ Torcello, Venice.

Tranh tường về cơ bản rẻ hơn nhiều so với tranh ghép và do đó được dành cho các nhà thờ nghèo hơn. Tuy nhiên, sau đó, khi khó khăn về kinh tế ngày càng tăng, nó đã trở thành một giải pháp thay thế rộng rãi hơn. Nó được đặc trưng bởi các tác phẩm 'kiến trúc' quy mô lớn - các nhà vẽ tranh tường Byzantine thường sử dụng toàn bộ bức tường làm 'bức tranh vẽ' của họ - thường chứa đầy các chi tiết tường thuật mà không cần quan tâm đến các nguyên tắc về thời gian và địa điểm. Những bức tranh tường Cơ đốc giáo Byzantine nổi tiếng còn tồn tại bao gồm: những bức tranh trong phòng chôn cất (450-500) tại Nicaea (Iznik) Chúa Kitô khóc (1164, Nhà thờ St Panteleimon, Nerezi, Skopje, Macedonia) Đóng đinh (1209, Nhà thờ St Joachim và St Anna, Studenica, Serbia).

Với bản chất thần quyền của nó, có lẽ không có gì ngạc nhiên khi nền văn hóa Byzantine được chú ý nhiều hơn về các biểu tượng hơn là các bức tranh tường. Lần đầu tiên xuất hiện vào đầu thế kỷ thứ 4, những bức tranh bằng bảng lưỡng màu sùng kính quy mô nhỏ này (đôi khi được gọi là & biểu tượng quottravelling & quot) về Chúa Giê-su, Đức mẹ đồng trinh hoặc các vị thánh, đã trở nên vô cùng phổ biến. Màn hình nhà thờ (biểu tượng) được lấp đầy với họ, cũng như nhà riêng. Sau chiến thắng của Iconodules ủng hộ tượng hình trước Iconoclasts vào năm 842, việc sản xuất các biểu tượng đã tăng lên đáng kể, và kỹ thuật vẽ biểu tượng lan sang Hy Lạp và Nga, đặc biệt là đến Kiev, Novgorod và Moscow. Các ví dụ nổi tiếng về các bức tranh biểu tượng Byzantine bao gồm: Trinh nữ Hodegetria (giữa thế kỷ thứ 5, Tu viện Hodegon, Constantinople: nay đã mất) St Peter (c.550, Tu viện St Catherine, Mount Sinai) St Michael (c.950-1000, Tesoro di San Marco, Venice) Đức Thánh Trinh Nữ của Vladimir (c.1131, Tretyakov Gallery, Moscow) Madonna of Don Icon (c.1380, Tretyakov Gallery, Moscow) của Theophanes người Hy Lạp, người sáng lập trường phái vẽ biểu tượng Novgorod (c.1100-1500) và Mẹ của Chúa Hodigitria (1502-3) của Dionysius, một bậc thầy đầu tiên của Trường phái hội họa Matxcova (500-1700).

Hình minh họa sách Cơ đốc giáo Byzantine dường như đã bắt đầu vào cuối thế kỷ thứ 5, với Tin Mừng Garima (gần đây carbon có niên đại 390-660). Những sự chiếu sáng của Cơ đốc giáo cổ đại khác bao gồm Tin Mừng Rabbula (c.586, Thư viện Laurentian, Florence). Cả hai bản thảo có lẽ được tạo ra trong một tu viện ở Syria hoặc Jerusalem.

Nghệ thuật Cơ đốc giáo thời Trung cổ: Bản thảo được chiếu sáng (450-1200)

Với sự sụp đổ của La Mã và sự tan rã của Đế chế La Mã, Tây Âu bước vào Thời kỳ Đen tối (400-800), một thời kỳ bất ổn chính trị và trì trệ văn hóa. Lực lượng thống nhất có thể duy nhất là Cơ đốc giáo, nhưng với việc La Mã bị sa thải và Giáo hội La Mã đang bị áp lực, ảnh hưởng của nó bị hạn chế. Chỉ ở Ireland, một quốc gia bị chia cắt với lục địa Châu Âu, Cơ đốc giáo mới phát triển mạnh mẽ. Trên thực tế, nghệ thuật và văn hóa của Tu viện Ailen rất quan trọng trong việc giữ cho những ý tưởng của thời cổ đại cổ điển, cũng như thông điệp của Kinh thánh được tồn tại. Nghệ thuật đầu thời Trung cổ ở Ireland bị chi phối bởi việc tạo ra các bản thảo được chiếu sáng, đặc biệt là Cathach of St. Columba (c.610), Book of Durrow (c.650-80), Lichfield Gospels (c.730), Echternach Tin Mừng (690-715), Tin Mừng Lindisfarne (698) và Sách Kells tuyệt đẹp (800). Do truyền thống liên tục của đất nước về nghệ thuật Celtic, hầu hết các họa sĩ minh họa bản thảo người Ireland đã sử dụng các thiết kế trừu tượng của người Celtic, thay vì hình ảnh tượng hình được các nghệ sĩ Lục địa ưa thích.

Sử dụng các kỹ năng có nguồn gốc từ truyền thống trước đây của nghệ thuật Celtic Metalwork, các tu viện ở Ireland cũng chịu trách nhiệm tạo ra các bình thờ chất lượng cao, như Ardagh Chalice (thế kỷ 8/9, Bảo tàng Quốc gia Ireland), được trang trí theo phong cách nghệ thuật La Tene.

Một loại hình nghệ thuật Cơ đốc thứ ba xuất hiện ở Ireland trong thời Trung cổ là Điêu khắc Thập tự giá (c.750-1150 CN). Bao gồm các tượng đài có kích thước khác nhau, tất cả đều dựa trên thiết kế tiêu chuẩn của Celtic-Cross. Được trang trí bằng các hoa văn trừu tượng hoặc các cảnh tường thuật từ kinh thánh (hiếm khi cả hai), những tượng đài này tạo thành bộ tác phẩm điêu khắc độc lập quan trọng nhất được sản xuất giữa sự sụp đổ của thành Rome (c.450) và sự khởi đầu của thời kỳ Phục hưng Ý (c.1400 ).

Nghệ thuật Cơ đốc giáo thời Trung cổ trên Lục địa cũng đi theo những con đường tương tự, mặc dù muộn hơn một chút. Ví dụ, nghệ thuật Carolingian (khoảng năm 750-900), (văn hóa của vương quốc Frankish của Charlemagne I) được lấy cảm hứng từ Byzantine hơn là các mô hình Ailen. Tu viện scriptoria ở Aachen, Paris, Reims, Metz và Tours đã tạo ra những ví dụ tuyệt đẹp về hội họa thời trung cổ như Nhà truyền giáo Godescalc (c.783), Thi thiên Utrecht (c.830) và Kinh thánh Grandval (c.840). Carolingian cuture được tiếp nối bởi nghệ thuật Ottonian, dưới thời các Hoàng đế La Mã Thần thánh Otto I, II và III (900-1050). Lấy cảm hứng từ các kỹ thuật Carolingian cũng như các yếu tố Byzantine - như việc sử dụng lá vàng - nghệ thuật Ottonian nổi tiếng với các bản thảo được trang trí lộng lẫy, bao gồm Perikpenbuch của Henry II (c.1010), Khải huyền Bamberg (c.1020), Hitda -Codex (c.1025) và Codex Aureus Epternacensis (c.1053). Xem thêm: Nghệ thuật Trung cổ Đức (c.800-1250).

Kiến trúc Cơ đốc giáo mới cũng được nhìn thấy dưới thời Charlemagne - ví dụ như Cổng của Tu viện Lorsch (792-805) và Nhà nguyện Palatine (800, Aachen) - và dưới thời Ottos - xem Nhà thờ St Cyriakus ở Gernrode (961 ), Nhà thờ Bamberg (bắt đầu từ năm 1004).

Ngoài ra, nghề đúc vàng và đồ kim loại quý đã xuất hiện trở lại ở Lục địa, cũng như điêu khắc, mặc dù tác phẩm điêu khắc thời Trung cổ (ít nhất là dưới thời Ottos) có xu hướng tập trung vào đồ đạc trong nhà thờ - bàn thờ, lăng mộ, cửa ra vào, chân đèn và đài hoa, hơn là tôn tạo kiến ​​trúc nhà thờ . Một số bức tranh tường cũng đã được sản xuất, chẳng hạn như Việc nuôi dạy con gái của JairusChữa bệnh cho người phụ nữ bị xuất huyết (c.980, Nhà thờ St George, Reichenau).

Kiến trúc nhà thờ theo kiểu Romanesque (khoảng 1000-1150)

Kiến trúc và văn hóa Ottonian trùng lặp đáng kể với nghệ thuật Romanesque, một thuật ngữ trong thực tế mô tả một phong cách kiến ​​trúc Cơ đốc giáo mới trên toàn châu Âu. Đây là chiến dịch xây dựng nhà thờ lớn đầu tiên, do Rôma và các Dòng tu sĩ mới khởi xướng, bao gồm Nhà thờ chính tòa, tu viện và nhà thờ giáo xứ. (Ở Vương quốc Anh, Romanesque được gọi là kiến ​​trúc Norman.) Kiến trúc Romanesque được lấy cảm hứng chủ yếu từ các thiết kế La Mã cổ điển, và được đặc trưng bởi một di tích mới, đánh dấu sự ổn định ngày càng tăng của thời đại và sự phục hưng của văn hóa Cơ đốc giáo châu Âu sau bốn thế kỷ chìm trong bóng tối .

Các nhà thờ và công trình tôn giáo theo phong cách Romanesque nổi tiếng nhất bao gồm: Nhà thờ Cluny II (981, Burgundy) Nhà thờ Tu viện S. Pedro de Roda (1022, Catalonia) Nhà thờ Tu viện St Michael, Hildesheim (1033, Đức) Nhà thờ Ely (1080, Anh) Nhà thờ Pisa (sau năm 1083, Ý) Tu viện La Grand Chartreuse (1084, Grenoble) Nhà thờ Durham (sau năm 1093, Anh) Nhà thờ Speyer (1106, Đức) Nhà thờ tu viện Sainte-Foy (1120, Pháp) Bí tích rửa tội St Giovanni, Florence ( 1128, Ý) Nhà thờ Cluny III (1130, Pháp) Nhà thờ Mainz (1137, Đức) Krak des Chevaliers (sau năm 1142, Homs, Syria) Nhà thờ Tu viện Fontenay (1147, Pháp) Nhà thờ Worms (1200, Đức) và Nhà thờ Madeleine (1215, Vezelay).

Kiến trúc Romanesque đã phải đương đầu với việc ngày càng có nhiều người hành hương đến thăm các địa điểm thánh tích trên khắp châu Âu. Ví dụ, ở Pháp / Tây Ban Nha, các cổng vòm lớn được xây dựng để đối phó với đám đông sùng đạo khổng lồ trên El Camino de Santiago, con đường hành hương đến Nhà thờ Santiago de Compostela (1075-1211) ở Galicia, tây bắc Tây Ban Nha, nơi có hài cốt của thánh Giacôbê tông đồ được cho là đã được cầu nguyện. Các nhà thờ theo phong cách Romanesque khác trên tuyến đường bao gồm Nhà thờ hành hương St Etienne (1063, Nevers) và Nhà thờ hành hương Saint-Sernin (1120, Toulouse).

Để trang trí nhà thờ của họ, các kiến ​​trúc sư theo trường phái Romanesque đã dựa vào kính màu, tranh bích họa và tác phẩm điêu khắc.

Sản xuất kính màu tập trung ở các trung tâm như Rhineland (Đức) và ở Ile de France và Poitiers. Lần đầu tiên được đóng khung bằng chì, các thiết kế dựa trên sự tương phản màu sắc mạnh mẽ (xanh lam, đỏ đậm, vàng). (Xem thêm: Nghệ thuật kính màu: Vật liệu, Phương pháp.) Các ví dụ nổi tiếng bao gồm cửa sổ kính như: Tiên tri Ô-sê (1130, bức tường phía nam của Nhà thờ Augsburg) và Sự đóng đinh của Chúa Kitô (1165, Nhà thờ Poitiers). Những bức tranh tường đã được sử dụng - như trong các nhà thờ Byzantine - để giáo dục những người đi lễ mù chữ. Phong cách thường năng động và hoạt hình, trong khi các nghệ sĩ Tây Ban Nha đã tạo ra những bức tranh tường theo phong cách Romanesque với sự pha trộn giữa nghệ thuật Tây Ban Nha và Hồi giáo. Điêu khắc hầu hết xuất hiện trên mặt ngoài của các nhà thờ, theo phong cách khá tĩnh hoặc bằng gỗ. Nghệ sĩ theo trường phái Romanesque nổi tiếng nhất có lẽ là nhà điêu khắc Gislebertus (1120-1135), được biết đến với tác phẩm phù điêu trên các cổng của
Nhà thờ Saint Lazare, Autun.

Kiến trúc Gothic, Sách-Tranh (c.1150-1375)

Nghệ thuật Gothic cũng vậy, tất cả đều là về kiến ​​trúc Thiên chúa giáo. Nó mang ơn sự hồi sinh của khoa học và toán học, đặc biệt là hình học Euclid. Trong khi kiến ​​trúc Romanesque được chú ý bởi quy mô đồ sộ, những bức tường dày, cửa sổ hẹp và nội thất mờ ảo, thì kiến ​​trúc Gothic lại nổi bật với những mái vòm cao vút, cửa sổ kính màu khổng lồ và nội thất rộng rãi, tràn ngập ánh sáng. Sử dụng các mái vòm nhọn để tăng trọng lượng của trần nhà, và những chiếc trụ bay mang tính cách mạng để hỗ trợ các bức tường, nó cho phép các kiến ​​trúc sư tạo ra một nhà thờ phản ánh đầy đủ vinh quang của Đức Chúa Trời. Phong cách Gothic lần đầu tiên xuất hiện tại Nhà thờ Tu viện Saint-Denis, gần Paris (bắt đầu từ năm 1140), và trong vòng chưa đầy một thế kỷ đã tạo nên một cuộc cách mạng trong thiết kế nhà thờ trên khắp châu Âu. Để biết biểu hiện cuối cùng của kiến ​​trúc Gothic tôn giáo, hãy xem: Sainte Chapelle (1241-48) ở Paris.

Các công trình kiến ​​trúc Gothic nổi tiếng khác bao gồm các nhà thờ lớn ở Laon (1160), Nhà thờ Đức Bà Paris (1160), Chartres (1194), Bourges (1195), Reims (1211), Amiens (1220), Salisbury (1220), Burgos (1220) , Tu viện Westminster, Lincoln (1230), (1245), Cologne (1248), Freiburg (1275), York Minster (1280), Rouen (1281), Siena (1290), Barcelona (1298), Orvieto (1330) , Milan (1386), Seville (1402), và những người khác.

Điêu khắc kiến ​​trúc là một tính năng quan trọng khác. Các bức tượng cột và phù điêu của các nhân vật trong Cựu Ước, cũng như các mô tả về Chúa Kitô và các thành viên khác của Thánh Gia, là điều phổ biến. Tác phẩm điêu khắc Gothic được phát triển theo một loạt các bước sáng tạo nhỏ. Đầu tiên là chủ nghĩa hiện thực gia tăng, rõ ràng là khác với vẻ ngoài khá mộc mạc của thành ngữ Romanesque, sau đó chúng ta thấy những nhân vật duyên dáng hơn với xếp nếp mềm mại sau đó là những nhân vật với dáng vẻ rắn rỏi, ngay thẳng, với cử chỉ kiềm chế hơn. Cuối cùng là những nhân vật với tư thế trang nhã và xếp nếp dày được treo trong những nếp gấp hình chữ V dài. Trong số các nhà điêu khắc vĩ đại nhất là Nicola Pisano (c.1206-1278) và Arnolfo di Cambio (c.1240 & # 1501310).

Các nhà điêu khắc Gothic muộn, có trụ sở tại Đức trong thế kỷ 15 và đầu thế kỷ 16, đã tạo ra một loạt các tác phẩm điêu khắc gỗ Cơ đốc giáo tinh xảo trong một loạt các bàn thờ ba chân ngoạn mục, chưa bao giờ sánh bằng. Được chú ý vì cảm xúc của các nhân vật theo chủ nghĩa biểu hiện của họ, những người thợ điêu khắc bậc thầy này bao gồm Michael Pacher (1435-98), Veit Stoss (1447-1533), Tilman Riemenschneider (1460-1531) và Gregor Erhart (1460-1540) . Xem: Nghệ thuật Gothic Đức (c.1200-1450).

Bị ảnh hưởng nặng nề bởi nghệ thuật điêu khắc, các họa sĩ Gothic cũng bận rộn tạo ra các tác phẩm nghệ thuật tôn giáo, nhưng không phải bên trong các nhà thờ, nơi các cửa sổ kính màu khổng lồ ngày nay cung cấp màu sắc và hình minh họa Kinh thánh mà trước đây đã được cung cấp bởi các bức tranh tường: ví dụ như kính màu mờ nghệ thuật bên trong Nhà thờ Chartres (c.1194-1250). Thay vào đó, các họa sĩ Gothic tập trung vào các bản thảo được chiếu sáng, chẳng hạn như Đạo đức kinh thánh Pháp (c.1230-40), Le Somme le Roi (1290), Manesse Codex (1310), Heures de Jeanne d'Evreux (1328), Psaltar of Bonne của Luxembourg (1349), tiếng Anh Amesbury Psalter (1240), Queen Mary Psalter (1330) và ArundelLuttrell Thi thiên (1340). Đây chỉ là một vài trong số rất nhiều Sách về Giờ, Sách lễ, Thi thiên, Sách khải huyền, Kinh thánh và các văn bản phúc âm được soi sáng khác xuất phát từ các bản viết thư của tu viện trong thời kỳ đó. Đặc biệt, hãy xem các tác phẩm của Jean Pucelle (1290-1334). Để biết thêm, hãy xem: Lịch sử các bản thảo được minh họa (600-1200).

Vào cuối thời kỳ Gothic, đã xuất hiện một phong cách nghệ thuật phong phú, trong số các tòa án hoàng gia của châu Âu, hoạt động như một loại cầu nối giữa văn hóa Gothic và Phục hưng. Được biết đến với cái tên International Gothic (1375-1450), phong cách này được thể hiện bằng một loạt các ánh sáng Cơ đốc giáo đạt đến đỉnh cao trong các tác phẩm như Les Tres Riches Heures du Duc de Berry (1416) của Anh em nhà Limbourg (tất cả đều chết vì bệnh dịch hạch, 1416) Giờ ở Marechal de Boucicaut, của Jacquemart de Hesdin (c.1355-1414), và Sách lễ của Jean des Martins của Enguerrand de Charenton (Quarton) ( c.1410-1466).

Nghệ thuật Cơ đốc giáo của thế kỷ 14, thời kỳ tiền Phục hưng, bị thống trị bởi Giotto - xem Nhà nguyện Scrovegni (Đấu trường) Frescoes (c.1303-10) - và Duccio de Buoninsegna (1255-1318) - xem bức tranh đa dạng nổi tiếng dành cho Siena Nhà thờ, được gọi là Bàn thờ Maesta (1308-11). Sau đó là thời kỳ Phục hưng sớm ở Florence, được minh họa bởi duomo của thành phố - để biết thêm, hãy xem: Nhà thờ Florence, Brunelleschi và thời kỳ Phục hưng (1420-36) - Masaccio (các bức bích họa của Nhà nguyện Brancacci) và Donatello (tượng David). Nếu nghệ thuật Kitô giáo thế kỷ 15 bị thống trị bởi Florence, thì trung tâm của nghệ thuật Kitô giáo thế kỷ 16 là Rome, nơi những người bảo trợ vĩ đại nhất là Giáo hoàng Sixtus IV (1471-84), Giáo hoàng Julius II (1503-13), Giáo hoàng Leo X (1513-21) ) và Giáo hoàng Paul III (1534-49).

Thế kỷ 16 cũng chứng kiến ​​một thời kỳ Hoàng kim của nghệ thuật ở Venice: xem các đồ thờ Venice (1500-1600) và Tranh Venice.

Những bức tranh tôn giáo bất tử từ thời Phục hưng bao gồm: Cờ hiệu của Chúa Kitô (1460) bởi Piero della Francesca Bữa tối cuối cùng (1495-98) và Trinh nữ của những tảng đá (1484) của Leonardo da Vinci Than thở về Đấng Christ đã chết (c.1490) bởi Andrea Mantegna The Sistine Madonna (1513) và Sự biến hình (1518-20) bởi Raphael Giả thuyết về Trinh nữ (1516-8) bởi Titian the Assumption of the Virgin (Nhà thờ Parma) (1524-30) trên trần của mái vòm trong Nhà thờ Parma của Correggio Tiệc cưới tại Cana (1563) và Lễ trong Nhà Lêvi (1573) bởi Paolo Veronese và Sự đóng đinh (1565) của Tintoretto. Tác phẩm điêu khắc Cơ đốc giáo vĩ đại nhất thời Phục hưng bao gồm: Cổng thiên đường (1425-52, Florence Baptistery) bởi Lorenzo Ghiberti Sự tôn nghiêm của thánh Thomas (1467) của Andrea Verrocchio nhiều tác phẩm điêu khắc bằng đất nung sùng kính của gia đình Florentine Della Robbia Pieta (1500), David (1504) và Lăng mộ của Giáo hoàng Julius II (1505-45) của Michelangelo. Nhưng chắc chắn nghệ thuật Kitô giáo mang tính biểu tượng nhất của thế kỷ 16 phải là những bức bích họa của Nhà nguyện Sistine, do Michelangelo vẽ. Chúng bao gồm The Genesis Fresco (1508-12) - xem cụ thể Sự sáng tạo của Adam (Thần Đi Qua Tia Sáng Của Sự Sống).

Trớ trêu thay, kiến ​​trúc thời Phục hưng của Cơ đốc giáo lại dựa trên các thiết kế từ kiến ​​trúc Hy Lạp ngoại giáo, và sử dụng tự do các trật tự Doric, Ionic và Corinthian. Các ví dụ nổi bật bao gồm: mái vòm của Nhà thờ Florence (1420-36) và Nhà thờ San Lorenzo (1420-69) được thiết kế bởi Nhà thờ Brunelleschi của Santa Maria delle Carceri (1485-1506) bởi Giuliano da Sangallo Saint Peter's Basilica (1506-1626) của Bramante, Raphael, Michelangelo, Giacomo della Porta, Carlo Maderno và Bernini Church of San Giorgio Maggiore (1562) của Palladio.

Nghệ thuật Cơ đốc Phục hưng phương Bắc

Cái gọi là nghệ thuật Phục hưng phương Bắc (khoảng 1430-1580) được thống trị bởi trường phái Hội họa Flemish, một phần của phong trào rộng lớn hơn của thời Phục hưng Hà Lan. Nói một cách dễ hiểu, thời kỳ Phục hưng phương Bắc bắt đầu bằng một cú nổ, nhanh chóng trở thành trường phái tranh sơn dầu hàng đầu, và sau đó dần dần suy tàn. Nghệ thuật bàn thờ của các họa sĩ như Jan van Eyck (xem Ghent Altarpiece, 1432) và Roger van der Weyden (Descent from the Cross, 1440), cũng như các tác phẩm phức tạp đến khó tin của Hugo van der Goes (Portinari Altarpiece, 1475), hiếm khi sánh bằng, ngoại trừ những bức ảnh có tầm nhìn phi thường của Hieronymus Bosch - xem Vườn thú vui trần gianHaywain Triptych - (được sưu tầm bởi vua Công giáo khắc khổ Philip II của Tây Ban Nha), và các bức tranh thể loại phức tạp của Pieter Bruegel the Elder (Điều tra dân số của Bethlehem, 1566 Thảm sát những người vô tội, 1564 Dụ ngôn về người mù, 1568).

LƯU Ý: Bức tranh tôn giáo thế kỷ 15 ở Pháp do họa sĩ người Provence Enguerrand de Quarton (1410-66) thực hiện - được tôn vinh vì Avignon Pieta (c.1455, Louvre) - và họa sĩ cung đình Jean Fouquet (1420-81) đã ghi nhận về Melun Diptych (c.1450-55).

Chủ nghĩa hiện thực và độ chính xác của Flemish cũng được thể hiện rõ trong tác phẩm của các họa sĩ người Đức như Stephan Lochner (Phán quyết cuối cùng, Những năm 1440), Lucas Cranach the Elder (Adam và Eve, 1528), Hans Baldung Grien (Bàn thờ Đức mẹ đồng trinh [The Freiburg Altarpiece], 1514), và Hans Holbein the Elder (Các cảnh trong cuộc Khổ nạn của Chúa Kitô [Bàn thờ Kasheim], 1502). Các bậc thầy người Đức khác bao gồm nhà biểu hiện Matthias Grunewald (Isenheim Altarpiece, 1510-15) và thợ in và họa sĩ đa năng Albrecht Durer (Bốn kỵ sĩ của Ngày tận thế, 1498, tranh khắc gỗ), và Martin Schongauer (Madonna trong vườn hồng, 1473).

Ghi chú lịch sử: Cuộc cải cách Tin lành
Năm 1517, Luther, một linh mục người Hà Lan - chắc chắn bị ảnh hưởng bởi cuộc nổi dậy trước đó của Savonarola (1452-98) ở Florence - bắt đầu một cuộc nổi dậy tôn giáo chống lại các thực hành đồi bại của Giáo hội Rome, dẫn đến sự chia rẽ trong phong trào Cơ đốc. Những người biểu tình được biết đến với cái tên Tin lành, trong khi những người tiếp tục theo Giáo hội truyền thống tự xưng là Công giáo La Mã. Đạo Tin lành (được chia thành bốn loại: Lutheran, Calvin, Anh giáo và Anabaptist) bắt rễ ở các nước Bắc Âu như Hà Lan, Đức (trừ Bavaria) và Anh, trong khi các nước Nam Âu như Pháp, Ý và Tây Ban Nha (cùng với thuộc địa Tây Ban Nha của Flanders), vẫn là Công giáo.

Từ khoảng năm 1520, khi thời kỳ Phục hưng phương Bắc cảm nhận được tác động của cuộc nổi dậy của Luther chống lại những thực hành thối nát của Nhà thờ La Mã, một bộ mỹ học mới đã ra đời, dưới hình thức Nghệ thuật Cải cách Tin lành, phản ánh chương trình nghị sự của Cơ đốc giáo của phong trào Tin lành, vốn từ chối nghệ thuật và tư tưởng nhân văn của Thời kỳ Phục hưng Cao, và tôn vinh một trải nghiệm tôn giáo khắc khổ hơn, với trang trí tối thiểu. Kết quả là, số lượng nghệ thuật tôn giáo do chính quyền Giáo hội Tin lành ủy quyền đã giảm đáng kể, và các nghệ sĩ ở các nước theo đạo Tin lành buộc phải chuyển sang các hình thức thế tục như thể loại hội họa, nghệ thuật chân dung, tranh phong cảnh và tĩnh vật.

Đạo Tin lành dạy một hình thức thờ phượng cá nhân, đơn giản, tập trung vào mối quan hệ trực tiếp giữa Thiên Chúa và con người, mà không gây ồn ào về những kẻ xấu tính như Giáo hoàng, Giám mục và các nhân viên nhà thờ khác. Nó cũng đặt ít hoặc không có tầm quan trọng đối với các khía cạnh trang trí hoặc nghi lễ của tôn giáo. Vì tất cả những điều này, nghệ thuật Tin lành ưa chuộng những miêu tả mang tính đạo đức thấp về cuộc sống hàng ngày bình thường, hoặc những cảnh tường thuật đơn giản từ Kinh thánh, hơn là những cảnh thần học kịch tính liên quan đến cuộc Khổ nạn, Đóng đinh và Phục sinh của Chúa Kitô. Các cảnh khác có thể chấp nhận được bao gồm mô tả tội nhân được Chúa Giê-su Christ tha thứ, phù hợp với quan điểm của đạo Tin lành rằng sự cứu rỗi chỉ có thể có được nhờ ân điển của Đức Chúa Trời. Nghệ thuật Tin lành cũng có xu hướng quy mô nhỏ hơn nghệ thuật Công giáo, phản ánh cách tiếp cận cá nhân, khiêm tốn hơn đối với tôn giáo. Vì lý do tương tự, minh họa sách và bản in trở nên phổ biến hơn, trong khi các bức tranh và tác phẩm điêu khắc Công giáo trở thành đối tượng của các cuộc tấn công biểu tượng vật lý, như được minh họa bởi beeldenstorm, một đợt tàn phá đám đông nổ ra vào năm 1556. Nhưng các nhà chức trách nhà thờ Tin lành đều nhận thức được sức mạnh của nghệ thuật trong việc giáo dục và ảnh hưởng đến những người thờ phượng. Kết quả là họ đã sử dụng tối đa các hình thức in ấn khác nhau, cho phép hình ảnh được phổ biến rộng rãi đến công chúng với chi phí rất thấp.

Mỹ học Tin lành đã đạt được một đỉnh cao trong thời kỳ Baroque của Hà Lan (khoảng 1600-80). Thời kỳ này, được gọi là Thời kỳ Hoàng kim của nghệ thuật Hà Lan, chứng kiến ​​sự phát triển tột bậc của phong cách hiện thực được các họa sĩ Flemish áp dụng trước đó. Mặc dù chân dung và phong cảnh cũng rất phổ biến, nhưng thời kỳ này được biết đến nhiều nhất như là đỉnh cao của thể loại tranh Hiện thực Hà Lan, và được gọi là tranh tĩnh vật (bố cục). Các họa sĩ thể loại hàng đầu của cuộc Cải cách Tin lành đến từ nhiều trường phái khác nhau. Adriaen van Ostade và nghệ sĩ Công giáo Jan Steen đại diện cho trường Haarlem Jan Vermeer và Pieter de Hooch đại diện cho trường Delft Hendrik Terbrugghen và Gerrit van Honthorst thuộc trường Utrecht. Gerrit Dou đại diện cho trường Leiden Samuel van Hoogstraten và Nicolaes Maes là thành viên của Trường Dordrecht và Carel Fabritius, Gerard Terborch, và Gabriel Metsu thuộc trường Amsterdam.

Nhiều bức tranh thuộc thể loại này chứa đựng những thông điệp đạo đức tinh tế về cách sống một đời sống Cơ đốc nhân, cũng như những thông điệp không quá tế nhị về sự nguy hiểm của việc làm trái ý. Hình tượng Tin lành trọng điểm này hoàn toàn trái ngược với những cảnh dữ dội trong Kinh thánh, chẳng hạn như Vụ đóng đinh và Than khóc, vốn được ưa chuộng bởi nghệ thuật Công giáo. Tranh tĩnh vật cung cấp một ví dụ khác về nghệ thuật đạo đức này. Được gọi là tranh Vanitas, thể loại này bao gồm việc sắp xếp thức ăn và các đồ vật khác trên bàn, hoàn chỉnh với những thông điệp mang tính biểu tượng về sự háu ăn và ham mê nhục dục. Có hai loại tranh vanitas: & quot; mảnh ghép & quot (pronkstilleven) hoặc & quotbreak nhanh & quot (ontbijtjes). Số mũ của pronkstilleven bao gồm: Harmen van Steenwyck (1612-56), Jan Davidsz de Heem (1606-84) và Willem Kalf (1622-93). Trong khi các học viên hàng đầu của ontbijtjes bao gồm: Willem Claesz Heda (1594-1680) và Pieter Claesz (1597-1660).

Tuy nhiên, ngay cả ở Amsterdam theo đạo Tin lành, nhu cầu về tranh tôn giáo vẫn còn khiêm tốn. Một trong những khoản hoa hồng quan trọng nhất mà cậu bé Rembrandt nhận được, là 5 bức tranh cho Hoàng tử Frederick Henry xứ Orange - người lính dẫn đầu trong cuộc chiến của Hà Lan chống lại Tây Ban Nha Công giáo - về chủ đề Cuộc Khổ nạn của Chúa Kitô. Ngoài kỹ năng vẽ chân dung, Rembrandt còn trở thành họa sĩ tôn giáo vĩ đại nhất của đạo Tin lành Hà Lan, được chú ý với những tác phẩm như: Sự mù lòa của Sam-sôn (1636), Sự hy sinh của Y-sác (1636), Susanna và các trưởng lão (1647), Bathsheba cầm bức thư của Vua David (1654), Gia-cốp ban phước cho con cái của Giô-sép (1656), và Sự trở lại của đứa con hoang đàng (1666-69).

Nghệ thuật phản cải cách của Công giáo

Giáo hội Công giáo La Mã đã phản ứng lại cuộc Cải cách Tin lành bằng Cuộc cải cách phản đối. Nghệ thuật phản cải cách của Công giáo được thiết kế để truyền đạt các nguyên lý đặc biệt của phụng vụ và đức tin Công giáo để củng cố sự phổ biến của Công giáo. Nó được tung ra cùng lúc với bức tranh Mannerist đang được lưu giữ ở Ý - một phong cách biểu cảm cao sử dụng sự biến dạng để tạo hiệu ứng, như được minh họa trong bức tranh của Parmigianino Madonna với chiếc cổ dài (1535, Uffizi). Lo ngại rằng nghệ thuật Công giáo quá coi trọng phẩm chất trang trí và không đủ giá trị tôn giáo - do đó phủ nhận tác dụng giáo dục của nó đối với những người đi lễ - các nhà chức trách Công giáo ra lệnh rằng nghệ thuật Kinh thánh phải trực tiếp và hấp dẫn trong cách trình bày tường thuật của nó, bản thân nó phải như vậy. chính xác hơn là viễn vông, và trên hết nên khuyến khích lòng mộ đạo. Ảnh khỏa thân và hình ảnh không phù hợp khác đã bị cấm. Để biết ví dụ về một nhà nghệ thuật Mannerist ngoan đạo, người đã điều chỉnh phong cách của mình phù hợp với giáo huấn của Giáo hội, hãy xem: Federico Barocci (1526-1612).

Nói tóm lại, mục đích duy nhất của nghệ thuật Phản Cải cách là tôn vinh Chúa và các truyền thống Công giáo, đồng thời quảng bá các bí tích và các vị thánh. Vì vậy, bức bích họa Sự phán xét cuối cùng của Michelangelo trong Nhà nguyện Sistine đã bị chỉ trích nặng nề vì ảnh khoả thân, cho thấy Chúa Giêsu không có râu, và bao gồm cả nhân vật ngoại giáo của Charon. Bức tranh của Paolo Veronese Bữa tối cuối cùng đã bị tấn công (không phải là vô lý) vì bao gồm trang phục lộng lẫy, những người Đức say rượu và những người lùn cùng với một đám đông khổng lồ. Trên thực tế, Veronese chỉ đơn giản là giải quyết vấn đề bằng cách đổi tên bức tranh Lễ trong Nhà Lêvi.

Nhà thờ Công giáo đã phát động Cuộc phản cải cách để đấu tranh cho trái tim và khối óc của những Cơ đốc nhân đã 'chuyển sang' đạo Tin lành. Để đạt được mục đích này, Hội của Chúa Giê-xu (Societas Jesu) - được thành lập bởi S. Ignatius Loyola và thường được gọi là Dòng Tên - được chính thức thành lập vào năm 1540 bởi Giáo hoàng Paul III, như một cơ quan giảng dạy và trật tự truyền giáo quan trọng. Nghệ thuật của Dòng Tên đã được truyền cảm hứng một cách thích hợp. Đầu tiên, kiến ​​trúc sư Giacomo Barozzi (Vignola) được giao nhiệm vụ thiết kế một nhà thờ cho trật tự mới - Nhà thờ Thánh Danh Chúa Giêsu (Il Gesu) (1568-73) - mà họa sĩ Baroque Giovanni Battista Gaulli đã vẽ bức tranh tuyệt vời trompe l'oeil các bức bích họa trần nhà. Một nhà thờ khác của Dòng Tên, San Ignazio, là bối cảnh cho những gì được cho là ví dụ tuyệt vời nhất về bức tranh quadratura từng được tạo ra - Chiến thắng và Sự chết của Thánh Ignatius of Loyola (1691-4) của Andrea Pozzo. Không có tấm gương nào lớn hơn về bức tranh Phản Cải cách, và không có ví dụ nào tốt hơn về sự khác biệt giữa nghệ thuật Tin lành và Công giáo.

Là một người sùng đạo Công giáo, nghệ sĩ người Flemish Peter Paul Rubens đã trở thành người có ảnh hưởng nhất trong bức tranh Phản Cải cách ở Bắc Âu. Nổi tiếng với những bức tranh lịch sử và tôn giáo quy mô lớn, đầy màu sắc và kịch tính gợi cảm, ông đã giao du trong giới hàng đầu của xã hội châu Âu với tư cách vừa là nghệ sĩ vừa là nhà ngoại giao. Bất chấp khoảng cách ngăn cách Rubens với những người đi nhà thờ bình thường, một số bức ảnh Công giáo của anh ấy, như chiếc kiềng ba chân nổi tiếng Đi xuống từ Thánh giá (Rubens) (1612), đang chuyển động mạnh mẽ, và tác động của ông đối với các họa sĩ sau này là rất lớn. Xem thêm: Samson và Delilah (1610).

Họa sĩ Baroque sơ khai người Ý Caravaggio là một trong những anh hùng của chiến dịch nghệ thuật Phản Cải cách Công giáo. Không phải vì lòng mộ đạo của ông, mà vì ông đã vẽ Chúa Kitô, Đức Trinh Nữ Maria, các Tông đồ và các Thánh, với chủ nghĩa tự nhiên khó tin như vậy. Thương hiệu chủ nghĩa hiện thực không phức tạp của Caravaggio là phong cách hoàn hảo cho thông điệp của Nhà thờ. Nó mang lại cho các sự kiện quan trọng trong Kinh thánh một cách tức thời mà không một họa sĩ nào khác đạt được. Bằng cách từ bỏ những giả thuyết kiểu cách của Chủ nghĩa đàn ông muộn - một phong cách chỉ được hiểu bởi một thiểu số có học thức, ông đã tạo ra tác động truyền cảm hứng tức thì theo yêu cầu của Hội đồng Trent. Những tác phẩm vĩ đại nhất của ông bao gồm: Lời kêu gọi của thánh Matthew (1600), Tử đạo của Thánh Matthew (1600), Chuyển đổi trên đường đến Damascus (1601), Bữa tối tại Emmaus (1602), Sự kết hợp của Đấng Christ (1601-3), Sự đóng đinh của Thánh Peter (1601), và Cái chết của trinh nữ (1601-6). Việc sử dụng ánh sáng và bóng tối một cách ấn tượng của ông đã được tiếp tục sau khi ông qua đời bởi những người theo chủ nghĩa caravaggism.

El Greco (1541-1614) và Trường Tây Ban Nha

Tây Ban Nha là quốc gia châu Âu duy nhất xuất hiện từ cuộc đấu tranh tôn giáo giữa Cơ đốc giáo và Hồi giáo (sự cai trị của người Hồi giáo trên hầu hết bán đảo Iberia kéo dài 718-1492). Do đó, không có gì ngạc nhiên khi trường phái Hội họa Tây Ban Nha đã tạo ra một loại hình nghệ thuật Cơ đốc phù hợp với sự tận tụy không khoan nhượng của đất nước đối với sự nghiệp Công giáo. Số mũ lớn nhất của nó là Domenikos Theotokopoulos, được gọi là El Greco. Sau khi được đào tạo về hội họa biểu tượng Byzantine, ông đã làm việc ở Venice trước khi xây dựng ngôi nhà của mình ở Tây Ban Nha. Ở đây, ông đã tạo ra một loạt các bức chân dung xuất thần của Chúa Kitô và các Thánh, mà cường độ biểu hiện của chúng thu hút trực tiếp cảm xúc thiêng liêng của người thưởng ngoạn. Những bức tranh thần thánh đầy quyền năng này, với hình dáng thon dài, phối cảnh méo mó và cách phối màu không tự nhiên đã khiến El Greco trở thành cha đẻ của nghệ thuật Phản cải cách ở Tây Ban Nha. Những bức tranh Công giáo nổi tiếng nhất của ông bao gồm: Chúa Ba Ngôi (1577-9) Sự chối bỏ của Đấng Christ (1579) Nơi chôn cất bá tước Orgaz (1586) Chúa Kitô đã xua đuổi các Thương nhân khỏi Đền thờ (1600) cái Hồi sinh (1600), và Sự mở ra của con dấu thứ năm của ngày tận thế (1608). Mặc dù chúng không có chủ nghĩa tự nhiên của Caravaggio, nhưng những bức tranh này là những kiệt tác tâm linh, và do đó hoàn toàn phù hợp với các yêu cầu giáo lý của Vatican.

Sau El Greco là Francisco de Zurbaran (1598-1664), một nghệ sĩ chịu ảnh hưởng mạnh mẽ của chủ nghĩa Quieism Tây Ban Nha, người chuyên vẽ các bức tranh thiêng quy mô lớn cho các Dòng tu như Carthusians, Capuchins, Dominicans, và những người khác. Jusepe Ribera đương thời của Zurburan (1591-1652) là một nhân vật chủ chốt trong Trường Hội họa Neapolitan (1600-56), và là một môn đồ ban đầu của Caravaggio. Các tác phẩm của cả hai họa sĩ này đều nổi tiếng về hình ảnh chân thực, táo bạo chiaroscuro và chủ nghĩa xã hội, đã mang lại cho họ sự kịch tính và cường độ cao. Xem thêm: Chúa Kitô bị đóng đinh (1632) của Diego Velazquez.

Cường độ tinh thần mà các họa sĩ Tây Ban Nha đạt được cũng được nhìn thấy trong các tác phẩm của các nhà điêu khắc Tây Ban Nha, chẳng hạn như Alonso Berruguete (c.1486-1561), người vĩ đại nhất trong số các nhà điêu khắc thời Phục hưng ở Tây Ban Nha, có những kiệt tác bao gồm: bàn thờ cho tu viện La Mejorada Valladolid (1526), ​​và dàn hợp xướng quầy hàng ở Nhà thờ Toledo (1539-43) Juan de Juni (1507-1577), được chú ý vì sự biểu đạt cảm xúc của ông, như trong hai nhóm của ông Sự kết hợp của Đấng Christ (1544 và 1571). Juan Martinez Montanes (& quot; God of Wood & quot), nổi tiếng với các cây thánh giá bằng gỗ và các nhân vật tôn giáo, như Chúa Kitô nhân từ (1603) và Bàn thờ Santiponce (1613) và Alonso Cano (& quot; Michelangelo Tây Ban Nha & quot), tác phẩm của ông là Sự vô nhiễm nguyên tội (1655).

Bernini (1598-1680) và Trường học Ý

Không có nghệ sĩ Ý nào khác thể hiện nghệ thuật Baroque Công giáo tốt hơn Gianlorenzo Bernini, người có sản lượng nghệ thuật tôn giáo bao gồm kiệt tác điêu khắc The Ecstasy của St.Teresa (1645 & # 15052), bên trong Nhà nguyện Cornaro được thiết kế đặc biệt của nhà thờ Santa Maria della Vittoria. Thành ngữ Baroque đã tạo ra một phong cách kiến ​​trúc khoa trương, được minh chứng bởi thiết kế của Bernini cho Quảng trường Saint Peter (1656-67) và các cách tiếp cận Vương cung thánh đường St Peter ở Rome. Là người yêu thích Urban VIII, và là đối thủ của Francois Duquesnoy (1594-1643) và Alessandro Algardi (1598-1654), tầm vóc của Bernini ở Rome (mặc dù không phải là sự sáng tạo của ông) đã sánh ngang với Nicolas Poussin (1594- sinh ra ở Pháp). 1665), người sáng lập Chủ nghĩa Cổ điển Pháp, người có các bức tranh tôn giáo bao gồm Tử đạo của Thánh Erasmus (1628), Bệnh dịch ở Ashdod (1630), Người Y-sơ-ra-ên thu thập Manna trong sa mạc (1639), Cậu bé Moses giẫm nát vương miện của Pharaoh (1645), và Gia đình Thánh trên các bước (1648).

LƯU Ý: Tác phẩm điêu khắc Baroque của Đức cũng có thể gây kinh ngạc. Ví dụ, hãy xem Bàn thờ cao đặc biệt của Đức mẹ Đồng trinh Mary (1613-16), trong Nhà thờ Saint Nicholas ở Uberlingen, được điêu khắc bởi thợ điêu khắc bậc thầy Jorg Zurn (1583-1638).

Tranh tường nhà thờ (Quadratura)

Có lẽ hình thức tuyệt vời nhất của hội họa Cơ đốc là bức tranh tường trên trần nhà thờ (được gọi là quadratura), thường được thực thi với trompe l'oeil hiệu ứng ảo ảnh. Kiểu trang trí trần nhà hình vòm / mái vòm này bắt đầu từ thời Phục hưng ở Ý. Các ví dụ thời Phục hưng bao gồm: Sala delle Prospettive bức bích họa (c.1517, Villa Farnesina) của Baldessare Peruzzi và Giả định về Trinh nữ (1524-30) của Correggio, trang trí trần nhà hình vòm của Nhà thờ Parma.

Những bức tranh tường Baroque bao gồm những Aurora bích họa (1621-3, Villa Ludovisi, Rome) bởi Guercino và Agostino Tassi the Giả định về Trinh nữ (1625-7) trên duomo của nhà thờ S. Andrea della Valle, bởi Giovanni Lanfranco (1582-1647), các bức bích họa Palazzo Barberini của Pietro da Cortona, bao gồm Câu chuyện ngụ ngôn về sự quan phòng của Chúa (1633-9) và Apotheosis of St Ignatius (1688-94, Sant'Ignazio, Rome) của Andrea Pozzo.

Những bức tranh tường Cơ đốc Rococo đáng chú ý - tất cả của Giambattista Tiepolo - bao gồm Palazzo Labia bích họa (1745) ở Venice Wurzburg Rezidenz bích họa (1750-3) ở Đức và Apotheosis của Tây Ban Nha bích họa (1763-6) trong Cung điện Hoàng gia Madrid.

Những bức tranh kiến ​​trúc về nhà thờ

Một đặc điểm thú vị của bản vẽ Cơ đốc giáo từ thời kỳ Baroque là các bản vẽ kiến ​​trúc, bản in và tranh vẽ nội thất nhà thờ. Ba trong số những người đi đầu trong thể loại này là: nghệ sĩ người Haarlem, Pieter Saenredam, được chú ý về độ chính xác trong kiến ​​trúc và những bức tranh của ông về nội thất nhà thờ quét vôi trắng (Nội thất của Buurkerk, Utrecht, 1645) Emanuel de Witte, người ít quan tâm đến độ chính xác kỹ thuật và quan tâm nhiều hơn đến bầu không khí của nhà thờ (Nội thất của Giáo đường Do Thái Bồ Đào Nha ở Amsterdam, 1680) và họa sĩ ngắm cảnh người Ý (vedutista) Giovanni Paolo Panini (Nội thất của Vương cung thánh đường Thánh Peter, Rome, 1731).

Kiến trúc nhà thờ theo phong cách Baroque

Kiến trúc Baroque từ bỏ tính đối xứng cân bằng của các thiết kế thời Phục hưng để chuyển sang sử dụng các đường cong và bề mặt cong ấn tượng kết hợp nghệ thuật và kiến ​​trúc thành một thực thể năng động, tạo ra hiệu ứng ảo ảnh của ánh sáng, màu sắc và kết cấu. Các nhà thờ Baroque được đặc trưng bởi sự kết hợp của các mái vòm, nhà nguyện được trang trí, các bức bích họa quadratura, và các phần trang trí khác, như được minh họa bởi bốn cấu trúc này.

Thánh đường Saint Peter (Rome) (1506-1626)
Được xây dựng lần đầu tiên trên địa điểm chôn cất huyền thoại của Thánh Peter, dưới thời của Hoàng đế Constantine I, Vương cung thánh đường Thánh Peter là một trong những địa điểm linh thiêng nhất trong tất cả các địa điểm Công giáo. Tòa nhà hiện tại hầu hết được thiết kế bởi Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno và Bernini, và là hiện thân của quá trình chuyển đổi nghệ thuật từ thời Phục hưng sang Baroque. Được đăng quang bởi một mái vòm cao 433 foot, nó chứa đầy các tác phẩm nghệ thuật vô giá, bao gồm tác phẩm điêu khắc bằng đá cẩm thạch của Michelangelo Pieta (1500), được chạm khắc bởi nghệ sĩ từ một khối đá cẩm thạch Carrara ở tuổi 25. Nhà thờ St. Peter's có liên hệ chặt chẽ với nhà thờ Cơ đốc giáo sơ khai, giáo hoàng, Phong trào phản cải cách và được coi là tòa nhà tốt nhất của nó. tuổi.

Vương cung thánh đường Santa Maria della Salute, Venice (1631-87)
Được thiết kế bởi kiến ​​trúc sư người Ý Baldassarre Longhena như một lời cảm ơn của Đức Trinh Nữ Maria đã giải cứu thành phố khỏi bệnh dịch, Vương cung thánh đường hai mái vòm này nằm trên bán đảo giữa Canal Grande và Zattere ở Venice, kết hợp giữa tiếng Hy Lạp, Hồi giáo và cổ điển. Đặc điểm Baroque. Nó là một trong những địa danh nổi tiếng nhất của thành phố.

Nhà thờ St Paul, London (1674-1710)
Được thiết kế bởi Ngài Christopher Wren, St Paul's là một nhà thờ lớn của Giáo hội Anh nằm trên địa điểm của nhà thờ ban đầu, được thành lập vào năm 604. Là nơi tọa lạc của Giám mục London, nhà thờ được xây dựng như một phần của chương trình xây dựng lại lớn do Wren giám sát , sau trận Đại hỏa hoạn Luân Đôn. Mái vòm cao 365 foot của nó là một trong những điểm tham quan nổi tiếng nhất của London.

Tu viện Melk, Áo (1702-36)
Được thiết kế và xây dựng bởi kiến ​​trúc sư người Áo và thợ xây bậc thầy Jakob Prandtauer, nó kết hợp các yếu tố Baroque của Ý với thiết kế truyền thống của Áo. Nằm trên những vách đá cao nhìn ra Sông Danube, nhà thờ tu viện của nó kết hợp giữa mái vòm cao và tháp đôi. Bên ngoài của tu viện là một khối các bề mặt nhấp nhô cùng những tháp pháo cao vút, trong khi nội thất và hành lang của nó được trang trí bởi nhiều nghệ sĩ hàng đầu của Áo. Nơi đây sở hữu một số tính năng nổi tiếng, bao gồm Sảnh đá cẩm thạch, Cầu thang Hoàng gia và một thư viện chứa một bộ sưu tập phong phú các văn bản thời Trung cổ quý hiếm.

Nghệ thuật Cơ đốc trong Kỷ nguyên Hiện đại (1750-2000)

Vào giữa thế kỷ 18, các quốc gia Công giáo đã trở nên quá tải với các nhà thờ lớn, nhà thờ, tu viện, tu viện và tháp - trong trường hợp của một số thành phố như Naples, gần như là vô lý. Kết quả là, hoa hồng của giáo hội bắt đầu cạn kiệt. Đồng thời, với sự ra đời của Khai sáng thế kỷ 18, Cách mạng Công nghiệp và những biến động chính trị như Cách mạng Pháp năm 1789, Giáo hội Cơ đốc giáo châu Âu mất chỗ dựa trước chủ nghĩa dân tộc, chủ nghĩa xã hội và các hệ thống giá trị khác. Hơn nữa, nó đã huy động được ít tiền hơn để chi cho các bức tượng tôn giáo hoặc các hình thức nghệ thuật nhà thờ khác. Vào thế kỷ 19, Nhà thờ ít quan trọng hơn với tư cách là người bảo trợ nghệ thuật so với các vị vua và quý tộc, trong khi nhu cầu của tầng lớp trung lưu về chân dung, phong cảnh địa hình và các tác phẩm thế tục khác, đang tăng lên nhanh chóng. Các họa sĩ có thể tận hưởng một sự nghiệp thịnh vượng chỉ đơn giản bằng cách tập trung vào nghệ thuật chân dung, hoặc các loại tranh phong cảnh khác nhau, mà không bao giờ vẽ chủ đề tôn giáo - điều mà cho đến nay vẫn chưa được biết đến ở các nước Công giáo, mặc dù lâu nay vẫn được coi là bình thường ở các nước theo đạo Tin lành.

Chỉ ở Tân Thế giới, số lượng đáng kể các nhà thờ mới được dựng lên. Kiểu kiến ​​trúc được chọn nói chung là theo chủ nghĩa phục hưng: chẳng hạn, hãy xem Nhà thờ Baltimore theo phong cách tân cổ điển (1806-21), Nhà thờ Công giáo La Mã đầu tiên ở Hoa Kỳ, được thiết kế bởi Benjamin Henry Latrobe, Nhà thờ St Patrick's được trang trí theo phong cách Gothic, New York (1858-79), được thiết kế bởi James Renwick Richard Upjohn's Trinity Church, New York (1841-6), một kiệt tác khác của chủ nghĩa phục hưng Gothic và Nhà thờ Trinity, Boston (1872-77), được thiết kế bởi Henry Hobson Richardson trong một nhà phục hưng Romanesque Phong cách.

Chỉ có một ví dụ sáng tạo chính của kiến ​​trúc nhà thờ Thiên chúa giáo được xây dựng ở châu Âu trong thế kỷ 19 - Sagrada Familia, Barcelona (1883), được thiết kế theo phong cách tân Gothic trang trí bởi Antoni Gaudi. Tôn vinh Thánh Gia và những bí ẩn của đức tin Công giáo, nhà thờ đặc biệt này với cấu trúc hình vòm giống như cây của nó bao gồm năm tháp và mười hai trụ tháp. Được làm bằng đá và bê tông, tòa nhà được tôn tạo thành nhiều phần bằng gạch men, các tấm gỗ pơ mu và nhiều tác phẩm điêu khắc, nhưng vẫn chưa hoàn thiện hoàn toàn. Bản thân Gaudi đã lấy cảm hứng từ phong trào Thủ công và Nghệ thuật và có liên hệ với trường phái Catalan Modernista.

Ít nhà thờ hơn có nghĩa là ít điêu khắc hơn và ít trang trí giáo hội hơn. Nhưng một số tác phẩm mới đã xuất hiện, chẳng hạn như Chúa Cứu Thế (1926-31), bức tượng bằng đá xà phòng khổng lồ nhìn ra Rio de Janeiro, ở Brazil. Được thiết kế bởi Heitor da Silva Costa và được điêu khắc bởi Paul Landowski, đây là bức tượng Art Deco lớn nhất trên thế giới. Các tác phẩm điêu khắc Cơ đốc giáo hiện đại đáng chú ý khác bao gồm: Tarcisius, Christian Martyr (1868, Musee d'Orsay, đá cẩm thạch) do Jean-Alexandre-Joseph Falguiere chạm khắc Genesis (1929-31, Phòng trưng bày Nghệ thuật Whitworth, Manchester) và Adam (1938, Harewood House), cả hai đều của Jacob Epstein.

Hội họa mỹ thuật Cơ đốc giáo bị ảnh hưởng nặng nề nhất bởi sự suy giảm niềm tin tôn giáo, mặc dù một số tác phẩm đặc biệt đã được sản xuất. Hai nhóm họa sĩ tôn giáo hiện đại, bao gồm trường phái Nazarenes và trường phái Nga.

Thuộc cánh Chủ nghĩa lãng mạn của nghệ thuật Đức thế kỷ 19, Nazarenes là một nhóm họa sĩ duy tâm được đào tạo tại Vienna, những người có những bức tranh tâm linh gợi nhớ nghệ thuật thời Trung cổ của Đức và hội họa đầu thời kỳ Phục hưng. Các thành viên hàng đầu bao gồm Friedrich Overbeck, Franz Pforr, Wilhelm von Schadow và Julius Schnorr von Carolsfeld. Họ được mệnh danh là Nazarenes vì ​​ăn mặc theo kinh thánh, tóc dài và cách sống sùng đạo.

Nghệ thuật của Nga vào thế kỷ 19 đã sản sinh ra một số tác phẩm nổi bật của hội họa Cơ đốc giáo. Các họa sĩ hàng đầu bao gồm: Anton Losenko người Ukraina (1737-73), Giáo sư Lịch sử Hội họa tại Học viện Mỹ thuật St Petersburg (xem các tác phẩm lấy cảm hứng từ thời Phục hưng của ông Bắt kỳ diệuSự hy sinh của Áp-ra-ham) và Alexander Ivanov (1806-58) có ảnh hưởng, có tác phẩm bao gồm Sự xuất hiện của Đấng Christ với dân chúng (1837-57) một bức tranh khổng lồ mất 20 năm để hoàn thành. Cuối thế kỷ này, một số thành viên của Người đi du lịch nhóm đã sản xuất một số bức tranh Cơ đốc giáo đáng chú ý, được đặc trưng bởi một cường độ tâm linh độc đáo. Họ bao gồm: Bữa tối cuối cùng (1863) bởi Nikolai Gay Việc nuôi dạy con gái của Jairus (1871) bởi Ilya Repin Chúa Kitô trong hoang dã (1872) và Tiếng cười (& quotHail, Vua của người Do Thái! & Quot) bởi Ivan Kramskoy Chúa Kitô và người phụ nữ bị bắt trong ngoại tình (1887) của Vasily Polenov.

Các bức tranh Kitô giáo đặc biệt khác của các nghệ sĩ hiện đại bao gồm: Angelus (1859) của nhà hiện thực Barbizon Jean-Francois Millet Chúa Kitô trước Philatô (1881) của nhà hiện thực Hungary Mihaly Munkacsy Chúa Kitô khải hoàn vào Brussels năm 1889 (1888), bởi James Ensor, nhà lãnh đạo của phong trào Tượng trưng Di tích Cơ đốc giáo (1893) của họa sĩ hiện thực xã hội Tây Ban Nha Joaquin Sorolla, tác phẩm chưa hoàn thành Adam và Eve (1918) bởi bậc thầy người Vienna, Gustav Klimt Ecce Homo (1925) của Nhà biểu hiện Đức Lovis Corinth Giáo hoàng la hét (1953) bởi Francis Bacon, lấy cảm hứng từ Velazquez's X vô tội (1650) Các bức tranh tường của Mark Rothko cho nhà nguyện tại Đại học Công giáo St Thomas ở Houston Đóng đinh 3,85 (1985) của Antonio Saura, lấy cảm hứng từ Velazquez's Đóng đinh (1631).

Ngoài ra, có rất nhiều tác phẩm theo trường phái biểu hiện của họa sĩ Công giáo người Pháp Georges Rouault, đáng chú ý là loạt Gương mặt thánh thiện, NS Đóng đinhChrist bị chế giễu, điều này khiến ông trở thành một trong những nghệ sĩ Cơ đốc quan trọng nhất của thế kỷ 20. Một giải thưởng tương tự có thể được trao cho họa sĩ giả tưởng người Nga Marc Chagall, người có nghệ thuật giàu trí tưởng tượng của người Do Thái và những cảnh trong Cựu Ước sau đó là loạt tranh về chủ đề tôn giáo của ông - Thông điệp Kinh thánh - hiện được trưng bày tại Bảo tàng Cimiez, ở Nice. Chagall cũng đã sản xuất một số thiết kế kính màu cho các nhà thờ lớn ở Metz (1968), và Reims (1974), cũng như Giáo đường Do Thái Hadassah gần Jerusalem. Ngoài ra, ông còn được chú ý bởi nghệ thuật trang trí trên tấm thảm mà ông đã thiết kế cho Knesset.

Một tấm thảm Kitô giáo hiện đại khác cao 75 foot Chúa Kitô trong vinh quang (1962) được ủy thác cho Nhà thờ Coventry, và được thiết kế bởi Graham Sutherland (1903-80). Nó được dệt bởi Pinton Freres, tại Felletin, Pháp.


Nghệ thuật Phục hưng

Với sự ra đời của báo in, lần đầu tiên trong hơn 1000 năm, những người không thuộc giới tăng lữ, quý tộc, và hoàng gia có thể tiếp cận được kiến ​​thức. Sự chú ý đặc biệt đã được dành cho các thời đại cổ điển ở Hy Lạp và ở La Mã, mà cho đến thời kỳ Phục hưng là đỉnh cao của thành tựu nhân loại. Nhiều bức tranh thời Phục hưng đã trở thành tài liệu tham khảo cho nhiều tác phẩm nghệ thuật tiếp theo trên thế giới

Niềm đam mê mới đối với việc học và thành tựu của con người đã dẫn đến ảnh hưởng của tất cả các nghiên cứu mới này trong việc hình thành nghệ thuật vĩ đại hơn.

Nhiều đặc điểm của nghệ thuật thời Phục hưng đã dẫn đến một sự thay đổi mang tính cách mạng trong thế giới nghệ thuật

Nguồn gốc Phong cách Phục hưng và Tầm quan trọng Lịch sử:

Vào đầu thế kỷ 15, gia đình de Medici nổi tiếng về tài chính và ngân hàng đã đưa Florence, Ý trở thành một trong những thành phố giàu có nhất trên thế giới. Quan tâm đến nghệ thuật và khoa học, họ đã thành lập một số phường hội cạnh tranh, chi rất nhiều tiền để vận hành và tài trợ cho các nghệ sĩ để tạo ra các tác phẩm nghệ thuật sang trọng và xa hoa.

Vào năm 1401, guild Arte del Calimala đã quyết định mở một cánh cửa mới cho Baptistery of the Florence Cathedral và để quyết định xem ai là nghệ sĩ vĩ đại nhất cho một công việc quan trọng như vậy, họ đã tổ chức một cuộc thi trong đó họ yêu cầu các mẫu sáng tác có thể xảy ra. . Bảy nghệ sĩ trẻ đã tham gia và cuộc thi đã thuộc về Lorenzo Ghiberti. Bộ cửa này được trang trí bằng các khung cảnh được trang trí bởi một số người được coi là sự khởi đầu của thời kỳ Phục hưng.

Các nhà điêu khắc thời Phục hưng bắt đầu quan tâm đến điêu khắc Cổ điển khi các nhà điêu khắc Filippo Brunelleschi và Donatello tham gia vào nghiên cứu khảo cổ học. Nghiên cứu của họ về di tích La Mã đã truyền cảm hứng cho hội họa, kiến ​​trúc và điêu khắc cũng như các nghệ sĩ khác, ở bất kỳ phương tiện nào, vào thời điểm đó.

Nhà điêu khắc và họa sĩ cũng nên được đào tạo về các môn nghệ thuật tự do này: ngữ pháp, hình học, triết học, y học, thiên văn học, phối cảnh, lịch sử, giải phẫu, lý thuyết thiết kế, số học“. - Lorenzo Ghiberti

Xa hơn về phía bắc, ở Hà Lan, các họa sĩ đang cải tiến sơn dầu, trước đây chủ yếu được sử dụng để vẽ trên da vì da sống của động vật cần sơn dẻo, không bị nứt và bong tróc.

Trước khi sử dụng dầu, các họa sĩ đã sử dụng tempera, nhưng khi họ bắt đầu sử dụng dầu, họ đã vượt xa phạm vi kỹ thuật mà họ đã làm việc. Dầu cho phép thay đổi ánh sáng, kết cấu, tông màu và giá trị và bởi vì nó có thể được pha loãng bằng dầu và tạo ra một hiệu ứng và được pha loãng với nhựa thông để tạo ra một hiệu ứng khác, nó đã cho họ khả năng vẽ ánh sáng, sương mù, sương mù, voan và các phù du khác các yếu tố vào nghệ thuật của họ. Kỹ thuật khai thác dầu mỏ đã được truyền bá đến Ý và sau đó từ đó đến Venice.

Các họa sĩ Ý ở Florence quan tâm đến việc ánh sáng và phối cảnh ảnh hưởng như thế nào đến những gì chúng ta nhìn thấy và cách nó được vẽ. Họ đã dành rất nhiều thời gian không chỉ để tự hỏi về nó mà còn để cố gắng phân biệt cách thức hoạt động và cách vận dụng nó. Piero della Francesca đã nghiên cứu vấn đề này một cách khoa học.

Đã từng là nhà khoa học, Leonardo Da Vinci đã thực hiện một nghiên cứu về ánh sáng và phối cảnh và tiến hành nó sâu hơn để điều tra các loại phối cảnh khác nhau, trật tự và chi tiết của thế giới tự nhiên, ảnh hưởng của giá trị và bóng tối đối với độ sâu, và cách ánh sáng tác động lên yếu tố gần và xa trong cảnh quan. Nghiên cứu của ông về xác người đã giúp ông có cái nhìn sâu sắc hơn về tỷ lệ bộ xương của cơ thể con người cũng như sự sắp xếp của cơ bắp. Thành quả học tập của anh ấy thể hiện rất rõ trong những bức tranh do anh ấy sản xuất.

& # 8220Đơn giản là sự tinh tế cuối cùng. Như một ngày trải qua đầy đủ mang lại giấc ngủ hạnh phúc, vì vậy một cuộc sống trải qua đầy đủ mang lại cái chết hạnh phúc. Học tập không bao giờ vắt kiệt trí óc & # 8221. & # 8211 Leonardo da Vinci

Nhà điêu khắc và họa sĩ vĩ đại, Michelangelo, cũng rất quan tâm đến giải phẫu người.

Đầu sự nghiệp của mình, ông đã tạc Tượng David, một trong những ví dụ điển hình nhất cho đến nay về nghệ thuật điêu khắc tái tạo cơ thể người theo tỷ lệ hoàn hảo. Mối quan tâm của ông đối với chủ đề này đã hiện diện trong suốt sự nghiệp của ông trong cả điêu khắc và hội họa. Anh ấy không chỉ muốn chính xác về mặt thể chất và khoa học, mà còn muốn thể hiện sự biểu hiện của cơ thể thông qua cảm xúc và chuyển động.

Sự cống hiến của ông mãi mãi được vẽ trên trần của Nhà nguyện Sistine, nơi nó đã truyền cảm hứng cho các nghệ sĩ và toàn thể nhân loại trong hơn 500 năm.

& # 8220Nếu khi còn trẻ, tôi nhận ra rằng vẻ đẹp huy hoàng bền vững mà tôi yêu một ngày nào đó sẽ tràn trở lại trái tim tôi, ở đó bùng lên ngọn lửa sẽ hành hạ tôi không dứt, tôi sẽ vui mừng biết bao ánh sáng trong mắt tôi & # 8221. & # 8211 Michelangelo

Điểm nổi bật chính của Phong cách Phục hưng:

  • Các trí thức thời Phục hưng, các nghệ nhân và cuối cùng là công chúng đã tiếp xúc với triết học Nhân văn, khám phá ý tưởng rằng con người chịu trách nhiệm về mối quan hệ của chính mình với Thiên Chúa và với đồng loại của mình, và ý tưởng rằng Giáo hội không chỉ có thẩm quyền đối với các mối quan hệ đó. .
  • Khi các họa sĩ sơn dầu ở Hà Lan lần đầu tiên bắt đầu sử dụng sơn dầu, tranh của họ vẫn có tỷ lệ phi tuyến tính của thời kỳ trung cổ và cấu trúc vị trí theo thứ bậc của thời đại đó. được mô tả Chúa Kitô và những người theo ông thể hiện chiều sâu tuyệt vời của cảm xúc, truyền cảm hứng cho nghệ thuật tôn giáo từ thời đó trở đi.
  • Trong khi các họa sĩ Florentine chú ý đến phối cảnh thì các họa sĩ Hà Lan lại bỏ qua nó. Họ tập trung vào sự tái tạo rất thực tế của các đối tượng của họ.

Nghệ thuật Phục hưng & # 8211 Tác phẩm nghệ thuật Chính


Đẹp như tranh vẽ

Các biên tập viên của chúng tôi sẽ xem xét những gì bạn đã gửi và xác định xem có nên sửa đổi bài viết hay không.

Đẹp như tranh vẽ, khái niệm và phong cách nghệ thuật của cuối thế kỷ 18 và đầu thế kỷ 19 đặc trưng bởi mối quan tâm đến các giá trị hình ảnh của kiến ​​trúc và cảnh quan kết hợp với nhau.

Sự say mê đối với những bức tranh đẹp phát triển một phần như là một phản ứng chống lại xu hướng Tân cổ điển ở thế kỷ 18 trước đó, với sự nhấn mạnh của nó về hình thức, tỷ lệ, trật tự và độ cao. Thuật ngữ đẹp như tranh ban đầu biểu thị một cảnh phong cảnh trông như thể nó bước ra từ một bức tranh theo phong cách của các nghệ sĩ Pháp thế kỷ 17 Claude Lorrain hoặc Gaspard Poussin. Ở Anh, bức tranh đẹp đã được định nghĩa trong một cuộc tranh cãi kéo dài giữa Sir Uvedale Price và Richard Payne Knight như một phẩm chất thẩm mỹ tồn tại giữa sự siêu phàm (I E., kinh ngạc) và xinh đẹp (I E., thanh thản), và một loại được đánh dấu bởi sự đa dạng dễ chịu, không đều, không đối xứng và kết cấu thú vị. Ví dụ, những tàn tích thời trung cổ trong một cảnh quan thiên nhiên được cho là đẹp như tranh vẽ.

Bức tranh đẹp không bao giờ phát triển thành một lý thuyết mạch lạc, nhưng các tác phẩm kiến ​​trúc và làm vườn cảnh quan khác nhau thể hiện ảnh hưởng của nó, đặc biệt là nhấn mạnh vào mối quan hệ giữa các tòa nhà và khung cảnh thiên nhiên hoặc cảnh quan của chúng. Giá cả là số mũ quan trọng nhất của phong cảnh đẹp như tranh vẽ. Kiến trúc sư người Anh và nhà quy hoạch thị trấn John Nash đã tạo ra một số công trình tiêu biểu nhất kết hợp khái niệm này. Xem thêm ngu ngốc.


Tác động của cuộc cải cách Tin lành

Cải cách là một phong trào tôn giáo vào thế kỷ 16 dẫn đến sự chia rẽ thần học giữa người Công giáo La Mã và người Tin lành.

Mục tiêu học tập

Mô tả cuộc Cải cách Tin lành và những ảnh hưởng của nó đối với nghệ thuật Tây Âu thế kỷ 16

Bài học rút ra chính

Những điểm chính

  • Nghệ thuật miêu tả các nhân vật hoặc khung cảnh tôn giáo tuân theo thần học Tin lành bằng cách mô tả con người và câu chuyện một cách chính xác, rõ ràng và nhấn mạnh sự cứu rỗi thông qua ân sủng của thần thánh, thay vì thông qua các hành động cá nhân hoặc bởi sự can thiệp của bộ máy quan liêu nhà thờ.
  • Nghệ thuật cải cách tiếp nhận các giá trị Tin lành, mặc dù số lượng nghệ thuật tôn giáo được sản xuất ở các nước theo đạo Tin lành đã giảm đáng kể. Thay vào đó, nhiều nghệ sĩ ở các nước theo đạo Tin lành đa dạng hóa các loại hình nghệ thuật thế tục như vẽ tranh lịch sử, phong cảnh, chân dung và tĩnh vật.
  • Cuộc Cải cách Tin lành đã gây ra một làn sóng biểu tượng, hoặc sự phá hủy hình ảnh tôn giáo, trong số những người truyền bá phúc âm cực đoan hơn.

Điều khoản quan trọng

  • Cải cách Tin lành: Cuộc ly giáo vào thế kỷ 16 bên trong Cơ đốc giáo phương Tây do Martin Luther, John Calvin, và những người theo đạo Tin lành ban đầu khác khởi xướng có đặc điểm là phản đối các giáo lý, nghi lễ và cấu trúc giáo hội của Giáo hội Công giáo La Mã và dẫn đến việc thành lập các nhà thờ Tin lành, vốn nằm ngoài của sự kiểm soát của Vatican.
  • biểu tượng: Niềm tin vào, tham gia hoặc trừng phạt việc phá hủy các biểu tượng tôn giáo và các biểu tượng hoặc tượng đài khác, thường là với động cơ tôn giáo hoặc chính trị.

Nghệ thuật và Cải cách Tin lành

Cải cách Tin lành là một phong trào tôn giáo xảy ra ở Tây Âu trong thế kỷ 16 dẫn đến sự phân chia thần học giữa Công giáo La Mã và Tin lành. Phong trào này đã tạo ra sự chia rẽ Bắc-Nam ở châu Âu, nơi mà các nước phía Bắc thường theo đạo Tin lành, trong khi các nước phía Nam vẫn theo Công giáo. Thần học Tin lành tập trung vào mối quan hệ cá nhân giữa người thờ phượng và thần thánh, và theo đó, phong trào nghệ thuật Cải cách & # 8217s tập trung vào mối quan hệ cá nhân của cá nhân & # 8217s với Đức Chúa Trời. Điều này đã được phản ánh trong một số người dân bình thường và những cảnh hàng ngày được miêu tả trong nghệ thuật.

Cuộc Cải cách mở ra một truyền thống nghệ thuật mới làm nổi bật hệ thống tín ngưỡng Tin lành và khác biệt hẳn với nghệ thuật nhân văn Nam Âu được sản xuất trong Thời kỳ Phục hưng Cao cấp. Nghệ thuật cải cách chấp nhận các giá trị Tin lành, mặc dù số lượng nghệ thuật tôn giáo được sản xuất ở các quốc gia theo đạo Tin lành đã giảm đi đáng kể (phần lớn là do một nhà bảo trợ lớn cho nghệ thuật - Giáo hội Công giáo - không còn hoạt động ở các quốc gia này). Thay vào đó, nhiều nghệ sĩ ở các nước theo đạo Tin lành đa dạng hóa các hình thức nghệ thuật thế tục như vẽ tranh lịch sử, phong cảnh, chân dung và tĩnh vật.

Nghệ thuật miêu tả các nhân vật hoặc khung cảnh tôn giáo tuân theo thần học Tin lành bằng cách mô tả con người và câu chuyện một cách chính xác, rõ ràng và nhấn mạnh sự cứu rỗi thông qua ân sủng của thần thánh, thay vì thông qua các hành động cá nhân hoặc bởi sự can thiệp của bộ máy quan liêu nhà thờ. Đây là ảnh hưởng trực tiếp của một chỉ trích lớn đối với Giáo hội Công giáo trong thời kỳ Cải cách - rằng các họa sĩ đã tạo ra những khung cảnh trong Kinh thánh khác với câu chuyện có thật của họ, khó xác định và được tô điểm bằng các hiệu ứng họa thay vì tập trung vào thông điệp thần học. Về chủ đề, những hình ảnh mang tính biểu tượng về Chúa Kitô và những cảnh trong cuộc Khổ nạn trở nên ít thường xuyên hơn, cũng như những bức chân dung về các thánh và giáo sĩ. Thay vào đó, các cảnh tường thuật từ Kinh thánh và các mô tả đạo đức về cuộc sống hiện đại trở nên phổ biến.

Cuộc Cải cách Tin lành cũng tận dụng sự phổ biến của nghề in ở Bắc Âu. Kỹ thuật in cho phép hình ảnh được sản xuất hàng loạt và phổ biến rộng rãi cho công chúng với chi phí thấp.Do đó, nhà thờ Tin lành đã có thể đưa thần học của họ đến với mọi người thông qua các phương tiện trực quan di động, rẻ tiền. Điều này cho phép sự phổ biến rộng rãi của hình ảnh trực quan thuyết phục. Với sự phát triển vượt bậc của thị trường khắc và in ở Antwerp vào thế kỷ 16, công chúng đã được cung cấp những hình ảnh dễ tiếp cận và giá cả phải chăng. Nhiều nghệ sĩ đã cung cấp bản vẽ cho các nhà xuất bản sách và in.

Iconoclasm và khả năng chống lại sự thờ hình tượng

Tất cả các hình thức của đạo Tin lành đều cho thấy mức độ thù địch với các hình tượng tôn giáo, đặc biệt là tác phẩm điêu khắc và các bức tranh lớn, coi chúng là các hình thức thờ thần tượng. Sau những năm đầu của cuộc Cải cách, các nghệ sĩ ở các khu vực theo đạo Tin lành ít vẽ các chủ đề tôn giáo hơn để trưng bày trước công chúng, một phần vì nghệ thuật tôn giáo đã gắn liền với Nhà thờ Công giáo từ lâu. Mặc dù, đã có một nỗ lực có ý thức để phát triển một biểu tượng Tin lành về các hình ảnh trong Kinh thánh trong các minh họa và bản in sách. Trong thời kỳ đầu của cuộc Cải cách, một số nghệ sĩ đã vẽ tranh cho các nhà thờ mô tả các nhà lãnh đạo của cuộc Cải cách theo những cách rất giống với các vị thánh Công giáo. Sau đó, hương vị Tin lành đã quay lưng lại với việc trưng bày các cảnh tôn giáo trong nhà thờ, mặc dù một số vẫn tiếp tục được trưng bày trong nhà.

Cũng có một phản ứng chống lại các hình ảnh từ thần thoại cổ điển, một biểu hiện khác của thời kỳ Phục hưng cao vào thời điểm đó. Điều này đã mang lại một phong cách liên quan trực tiếp hơn đến việc miêu tả chính xác thời điểm hiện tại. Ví dụ: Bruegel & # 8217s Tiệc cưới miêu tả bữa tối đám cưới nông dân Flemish trong một nhà kho. Nó không liên quan đến bất kỳ sự kiện tôn giáo, lịch sử hoặc cổ điển nào và chỉ cung cấp cái nhìn sâu sắc về cuộc sống hàng ngày của nông dân Flemish.

Bruegel & # 8217s Đám cưới nông dân: Bruegael & # 8217s Đám cưới nông dân là một bức tranh ghi lại truyền thống nghệ thuật của cuộc Cải cách Tin lành: tập trung vào các cảnh trong cuộc sống hiện đại hơn là các chủ đề tôn giáo hoặc cổ điển.

Cuộc Cải cách Tin lành đã gây ra một làn sóng biểu tượng, hoặc sự phá hủy hình ảnh tôn giáo, trong số những người truyền bá phúc âm cực đoan hơn. Các nhà lãnh đạo Tin lành, đặc biệt là Huldrych Zwingli và John Calvin, đã tích cực loại bỏ hình ảnh khỏi nhà thờ của họ và coi phần lớn các hình ảnh tôn giáo là thờ thần tượng — thậm chí là thánh giá đơn thuần. Mặt khác, Martin Luther khuyến khích việc trưng bày giới hạn hình ảnh tôn giáo trong các nhà thờ. Tuy nhiên, đối với hầu hết các phần, biểu tượng Cải cách đã dẫn đến sự biến mất của nghệ thuật tượng hình tôn giáo, so với số lượng các tác phẩm thế tục đã xuất hiện.

Iconoclasm: Mảnh bàn thờ Công giáo: Mảnh bàn thờ ở Nhà thờ St. Martin & # 8217s, Utrecht, bị tấn công trong biểu tượng Tin lành vào năm 1572. Bức tường có thể nhìn thấy lại này sau khi trùng tu vào năm 1919, loại bỏ bức tường giả đặt phía trước nó.


Xem video: Мистецтво стародавнього Єгіпту